Музей искусства стран Тихоокеанского региона. Бали. Нуса Дуа. (Museum Pasifika. Bali, Nusa Dua, BTDS Area Block P)
Нуса-Дуа на Бали – сосредоточение богатейших курортов, люксовых отелей и ресторанов изысканной кухни, особняков и вилл, в которых останавливаются на отдых или во время деловых поездок влиятельные банкиры и знаменитые кинозвезды. Некогда небольшая рыбацкая деревенька превратилась в один из самых дорогих курортов мира. НусаДуа протянулась на двух берегах небольшого полуострова, сформированного на стане массивного кораллового рифа. Потому и название – НусаДуа, что значит «две земли». С живописного кораллового рифа, на котором ныне находится излюбленная туристами и местными жителями смотровая площадка, можно наблюдать как рассвет, так и закат над морским горизонтом. И здесь, в НусаДуа, расположен музей, обладающий самой крупной коллекцией произведений живописи стран Тихоокеанского региона.  Вид на внутренний двор музея. Музей «Pasifika» содержит произведения живописи мастеров, чьи судьбы связаны со странами Тихоокеанского региона, это и уроженцы этих мест, и европейские экспатрианты, жившие и творившие на плодородной тропической почве, как в прямом, так и в переносном смысле. Тихоокеанский регион для многих мастеров из Европы XX века стал такой же «Меккой и Мединой», какой был некогда для них Рим и Афины. Насытившись вдоволь изучением античной гармонии и красотой шедевров Ренессанса, художники XX жаждали все большего, им нужны были новые открытия, простор для творческих экспериментов, поиск собственной индивидуальной и уникальной манеры письма. И все это смогли они найти, проделав долгий и сложный путь к просторам Тихого океана, сменив климат, тяжесть и скованность европейских одежд на легкие азиатские шелка, увидев разнообразие оттенков зеленого цвета в «дождевом лесу», поразившись многоцветию тропических цветов, влюбившись в грациозную и таинственную красоту местных женщин. Галерея на первом этаже музея включает отдельные залы, посвященные творчеству художников-иммигрантов из разных стран Европы. Один зал посвящен итальянским экспатриантам, другой зал – французским, и целых три зала отведены для произведений экспатриантов из Голландии. Часть экспозиции представляет так же коллекцию ритуальных костюмов и масок с острова Бали.  Коллекция костюмов и масок для традиционного балийского танца «Баронг».  Традиционная живопись Бали. Неизвестный мастер. Рама и Сита. Масло, лаковые краски, на доске. Музей открывается коллекциями произведений из острова Бали. Первый зал музея представляет коллекции традиционной балийской живописи – здесь можно увидеть фрагменты фресок, картины на дереве на сюжеты из Рамаяны и Махабхараты или же со сценами, наглядно изображающими балийские космологические представления.  Маде Вианта. Рептилии. 1981. Холст, акрил Картины современного балийского художника Маде Вианта в весьма своеобразной форме продолжают традиции древней плоскостной живописи. Его работа «Рептилии» в графичной плоскостной манере передает завораживающее движение различных рептилий, ящериц, крокодилов, небольших домовых ящериц по имени «геко», столь любимых жителями Индонезии. Рептилии считаются священными, они охраняют местность от всего дурного и негативного. «Геко» живет в домах, оберегая хозяев от сглаза, а так же поедая насекомых, муравьев и комаров, а забавное название «геко» домовая ящерица получила потому, что по ночам во время охоты на насекомых, ящерица производит своеобразный звук, напоминающий слоги «гэ – ко, гэ –ко, гэ –ко»… Многие балийские художники, восприняв влияние западноевропейской художественной школы, развивают собственные национальные традиции и передают особое балийское восприятие действительности и подход к цветовому решению. В работах Дэва Путу Бедиль объемная моделировка фигур и принцип линейной перспективы не противоречит традиционной балийской «фресковой» плоскостности и внимательности к детальному декоративному рисунку.  Дэва Путу Бедиль (1921 – 1999). Урожай. 1985. Холст, масло. Фрагмент. Художник из острова Ява Аффанди, один из крупнейших мастеров Индонезии в XX веке, умело и гармонично сочетает в своем творчестве принципы европейской живописи и мотивы традиционно яванские, индонезийские. Так, в картине «Лодки» он передает при помощи экспрессивных мазков бурные порывы ветра, экспрессионизм здесь соседствует с реализмом и декоративностью витиеватых линий, вызывающих ассоциации со стилизованной арабской вязью или с причудливым переплетением нитей в национальном яванском костюме.  Аффанди (1907 – 1990) Лодки. Холст, масло.  Аффанди. Балийская обнаженная женщина. 1942. Масло по доске. В картине «Балийская обнаженная женщина» Аффанди активно использует звучные экспрессивные мазки, подчеркивающие напряженную и интригующую игру светотени, с почти рембрантовским надрывом и драматизмом метафорически выявляя дух внутренних страстей и скрытых за маской спокойствия и некоторой холодности подлинных горячих чувств и душевных порывов безымянной балийской красавицы. Колористическое решение усиливает глубокий драматизм и напряженность художественного образа – в нижней части холста широкий пояс традиционной юбки саронг фиолетового цвета, а в верхней части холста прическа женщины украшена желтовато-белым цветком плюмерии (франжипани), дерева, считающегося на Бали священным. Цветы франжипани используются в балийских ритуалах, украшение прически этими цветами – признак благословления и в то же время оберег. Контраст фиолетового и желтого, этих полярных цветов спектра, - классический пример использования метода цветового контраста в колорите картины для усиления выразительности драматизма и внутренней противоречивости характера изображаемой модели. Так, Аффанди изображает не просто очередную «обнаженную», коих в мировой живописи великое множество, и подчас этот ряд восхищает, а подчас разочаровывает и утомляет вульгарностью и единообразием, а воплощает в живописи загадку, великую тайну женской натуры и экзотическую мистичность этой загадки в образе красавицы с острова Бали. Сила художественного образа здесь – в метафоричности, в богатстве средств художественной выразительности, в оригинальности и глубокой продуманности колористического решения, в умении лаконично и наглядно передать как внешнюю красоту, так и внутренний мир модели.  Сударсо (1914 – 2006). Сидящая женщина. 1980. Холст, масло. Сударсо (1914 – 2006) в своей картине «Сидящая женщина» воспевает национальную индонезийскую красоту, мечтательную обворожительность взгляда своей соотечественницы, изящность жестов, плавность и мягкость черт лица. Геометрический узор костюма подчеркивает красоту женской фигуры, внутреннюю уравновешенность, гармоничность душевного склада и внутренний покой. Источник света, поставленный художником вне пространства холста, создает ощущение, что поток света направлен прямо на фигуру, будто выхватывая ее из окружающей мглы и дымки полумрака. Свет словно бы подсвечивает лицо женщины, делая его более одухотворенным и оттого еще более прекрасным. Невозможно обойти вниманием, прогуливаясь по залам музея со столь яркими и разнообразными работами, и произведение художника Дуллах «Кремация на Бали». Все стороны жизни народа Бали вызывали и вызывают неизменный интерес у европейцев и так же у жителей других островов Индонезийского архипелага. Культура Бали сохранила древние индуистские обряды, дошедшие со времен империи Маджапахит (XIII – XVIв.в.). Индуизм Бали во многом отличается от индуизма в самой Индии, впитав в себя элементы буддийского культа, даосского китайского влияния и аутентичных древних верований. Кремация представляет собой яркую и зрелищную церемонию, это не похороны в европейском понимании, а проводы души из одного состояния в другое, из материального мира в мир духов. Считается, что после кремации душа странствует по родным местам, живет, только в невидимой оболочке, вместе с потомками на протяжении нескольких поколений, а потом перерождается заново. Поэтому, каждый верующий индуист на Бали начинает свой рабочий или выходной день с подношения духам предков цветов и ароматических свечек. Во время же обряда кремации, тело покойного помещают в специально подготовленную статую животного, как правило, сделанную из папье-маше, пальмовых листьев и соломы статую быка или птицы-феникс, и эту красочную статую вместе с телом предают огню. Так преодолевается страх смерти, и все присутствующие проникаются особой мистической атмосферой ощущения перехода души в вечность, и непрерывности самой жизни, всегда побеждающей смерть.  Дуллах. Кремация на Бали. 1970. Холст, масло.  Раден Салех Шариф Бустаман. картина Охота на тигра. 1845 В коллекции музея есть ряд работ наиболее знаменитого индонезийского художника XIX века РаденаСалеха Шарифа Бустамана (1814 – 1880), выходца из семьи арабских купцов с острова Ява. Он учился живописи у бельгийского художника А. Пайена, с 1829 года учился в Нидерландах, затем – в Париже. В течение 20 лет он путешествовал по странам Европы и Северной Африки, непрестанно учась новому, оттачивая свое мастерство, вдохновляясь свежими наблюдениями и впечатлениями. Вернувшись в Батавию (нынешнюю Джакарту) в 1852 году, он построил особняк и стал жить с женой, с которой потом развелся, чтобы жениться на двоюродной сестре султана. В своем творчестве РаденСалех развивает европейские традиции батальной живописи, а после того, как ему удалось породниться с семьей султана, создает ряд парадных портретов султанской семьи, их приближенных, а так же портреты чиновников голландской колониальной администрации. Многие работы РаденаСалеха хранятся в частных коллекциях потомков яванской аристократии и в коллекциях голландских музеев, в частности – в Амстердаме. Отдельная экспозиция музея посвящена итальянским художникам, жившим и работавшим некоторое время в Индонезии и создавшим произведения, вдохновленные местными пейзажами, людьми и культурой. Один из них – РомуальдоЛокателли (1905 – 1943), завороженный зрелищем национальных танцев острова Бали и отразивший свое восхищение балинезийскими танцовщицами в своих работах. Другой талантливый итальянский мастер,обнаруживший источник вдохновения на острове Бали, - Эмилио Амброн (1905 – 1996). Бывали в Индонезии и создавали свои произведения под ярким впечатлением от этой страны и другие итальянские мастера – РенатоКристиано (р.1926), Пьеро Антонио Гариаццо (1879 – 1963), Луиджи Нобили.  Ренато Кристиано. Женщина из Манггиса, 1971. Масло на доске.  Ренато Кристиано. Портрет балинезийской девочки. 1994. Масло на доске. В своей картине «Портрет балинезийской девочки» Ренато Кристиано представляет причудливое сочетание Арт Деко, влияния балийской традиционной фресковой живописи и черты итальянского кватроченто. Покрытый золотом плоский фон почти иконописен, а образ женщины вызывает ассоциации с Мадоннами мастеров раннего итальянского Возрождения. Так художник передает вселенскую имманентно присущую всем женщинам мира красоту и внутреннюю гармоничность, одухотворенность и сакральную загадочность.  Пьеро Антонио Гариаццо. Яванский пейзаж. 1939. Масло на доске. 
Ромуальдо Локателли. Танцовщица Легонг. 1939. Холст, масло. Одной из «визитных карточек» музея и острова Бали в целом является образ танцовщицы танца Легонг, созданный РомуальдоЛокателли. Эту танцовщицу можно увидеть на сувенирных открытках, брелоках и зажигалках, бойко продающихся на базарах для туристов со всего мира. Конечно, только великое произведение может быть широко растиражировано и при этом не утратить своей притягательной загадочности и внутренней глубины. Экспрессивность движения, напряженность и гибкость тела юной танцовщицы мастерски переданы художником. Для танца Легонг на Бали обучают только девочек в возрасте от 10 до 12 лет. Этот танец служит художественным подношением для индуистских богов и духов предков в храме, а девочки этого возраста считаются ритуально чистыми, кроме того, именно в этом возрасте, когда уже нет детской мягкости и ещё нет подростковой угловатости, тело девочек, как считается, близко по своей красоте и грациозности классическим индуистским представлениям о красоте, согласно которым, к примеру, диаметр талии должен быть равен диаметру головы на уровне ушей, позвоночник должен быть идеально прямым, длина рук должна доходить до колен, и, наконец, гибкость тела должна быть такой, чтобы весь танец (длящийся, как правило 1 – 2 часа) был выполнен на полусогнутых ногах, при этом, ноги выше от колена должны быть четко параллельно земле, а корпус четко перпендикулярен земле. И, несмотря на все это, движения должны выглядеть естественно, легко и плавно, на лице нельзя выражать физическое напряжение и усталость. Такие требования тяжелы даже для профессиональных взрослых балерин, а девочки в возрасте 10 – 12 лет, пройдя специальные подготовительные тренировки, выполняют танец с видимой легкостью, которая, на самом деле, достигается непросто. Легонг до сих пор популярен на Бали, и девочки с удовольствием обучаются этому непростому танцу, в деревнях и городах, в отдельных школах и студиях устраиваются конкурсы танца Легонг, участницы и победительницы которых получают ценные и памятные призы. Танец Легонг в наши дни устраивается как в ходе храмовых церемоний, так и для туристов, как один из традиционных видов танцевального искусства на Бали. 
Эмилио Амброн. Танцовщица с голубым веером. 1974. Холст, масло. Эмилио Амброн прошел классическую школу европейского рисунка и живописи, он учился и у известного и амбициозного итальянского художника-футуриста Джакоммети Балла, и в начале своего творческого пути увлекался модернистскими футуристическими идеями, но впоследствии подпал под очарование классики Ренессанса. Так, художественное видение Эмилио Амброна сформировалось под влиянием совершенно различных направлений и стилей в искусстве. Художник творчески переосмыслял эти влияния, старательно и щепетильно выбирал наиболее близкие своей собственной натуре художественные методы и идеи. В 1938 году Амброн прибыл на Бали и открыл целый мир новых красок и образов. Здесь он творит в разных техниках и жанрах. То это портрет, то жанровая сценка, то небольшой и свежий по своей выразительности набросок карандашом. В картине «Танцовщица с голубым веером» Эмилио Амброн отдает дань своему раннему увлечению футуризмом в геометричности форм, в локальности цветов отдельных дробных плоскостей и в контрастности цветов, тут же он вызывает реминисценции с ранним итальянским Возрождением, совмещая плоскостный фон с объемной моделировкой фигуры. Мастерская постановка фигуры, продуманный и динамичный жест, позволяет зрителю ощутить красоту национального балийского танца. Голубой веер танцовщицы служит активным зрительным цветовым акцентом, фокусирующим внимание и придающим колористическому решению целостность и завершенность.  Эмилио Амброн. Женщина, моющая волосы. 1974. Мраморная статуя высотой 65 см. В отдельном зале представлены работы голландских мастеров, судьбы которых так или иначе связаны с Индонезией. Здесь можно увидеть работы Антонио Пайена (1792 – 1853), учителя выдающегося индонезийского мастера РаденаСалеха. Так же уникальные произведения Мари Тэн Катэ (1831 – 1910), Жан Даниэль Бейнон (1830 – 1877), Ньюуэнкампа (1874 – 1950), Йоханнеса Фредерика Тэн Клоостера (1873 – 1940), Рудольфа Боннэ (1895 – 1978), Уильяма Хофкера (1901 – 1981), Уильяма Доойджеваарда (1892 – 1980), АукеСоннега (1910 – 1963), Ари Смит (р. 1916) и др.  Сайерс Чарлез Эжен Хенри. Балийская женщина с подношениями в храм. 1940. Холст, масло.  Сайерс Чарлез Эжен Хенри. Балийский юноша с боевым петухом. 1941. Холст, масло.  Джон Вандер Стеррен. Пурадалем (Деревенский храм) в деревне Бунутан. Холст, масло. (не датирован). Ауке Корнелис Соннега (1910 – 1963) родом из голландского городка окончил школу изящных искусств в Амстердаме и отправился в длительное путешествие в далекие от родных мест земли голландских азиатских колоний. Сначала художник прибыл в главный голландский порт на Яве, в Батавию (нынешняя Джакарта) и прожил там два года, впоследствии сменив место жительства на остров Бали, где и нашел неиссякаемый источник вдохновения. Внимательному взгляду голландского художника предстали приветливые улыбки и проницательные взгляды балийских женщин, яркие экзотические храмовые церемонии, великолепие и бесконечное разнообразие цветов и тропических фруктов, роскошная архитектура храмов и дворцов. В своей живописной манере, воспевая красоту тропического острова, Соннега смешивает методы АртДеко с явным влиянием экспрессионизма, выразительную моделировку объемов мастер сочетаетс четкой темпераментной графичностью рисунка, с яркостью и контрастностью колористического решения. Мастерская художника располагалась в городе Убуд, и он охотно обменивался опытом с молодыми местными мастерами, перенимая особенности балийской художественной школы и прививая европейские живописные традиции к местной почве. В Убуде в 1930 – 1940 г.г. кипела активная творческая жизнь, приезжали новые европейские художники-иммигранты, местные мастера открывали свои мастерские и художественные лавки. Несмотря на нарастание националистических и антиголландских настроений, в жизни художников не было конфликтов и вражды, но шел постоянные взаимообмен опытом и идеями, диалог культур и традиций. И, тем не менее, события политической жизни не могли не сказаться на судьбах европейских иммигрантов, представителей творческой интеллигенции, - в 1957 году новое индонезийское правительство вынуждало всех европейских экспатриантов покинуть территорию Индонезии. Уехал из райского острова и АукеКорнеллисСоннега, но он увековечил в своих работах ту балийскую действительность, которая была и всегда оставалась его реальностью и его мечтой одновременно. Всю жизнь Соннега посвятил этому острову, и, вернувшись в Голландию, продолжал создавать образы, навеянные сладостными воспоминаниями о тропическом парадизе.  Ауке Корнелис Соннега. Портрет МадеПурна. Убуд. Начало 1957г. Холст, масло.  Ауке Корнелис Соннега. Портрет балийской женщины. Начало 1957 г. Холст, масло.  Рудольф Бонне. Балийская девочка. 1956 г. Холст, масло. Рудольф Бонне (1895 – 1978) – один из выдающихся среди европейских художников-иммигрантов на Бали. Он, выходец из семьи чопорной амстердамской буржуазии, прошел через многие препятствия, чтобы вырваться из душной для него семейной атмосферы и начать жить жизнью вольного художника. Чтобы реализоваться в качестве живописца, юный Рудольф Бонне отправился в Италию, стремясь утолить свою жажду образов Ренессанса, насытиться гармонией линий и красок, развивая собственную художественную манеру. Ренессанс, Италия, строгая классика великой Античности… он и не думал поначалу, и не помышлял затеряться не в «джунглях» римских античных развалин, а в настоящих, тропических джунглях. Но поворот судьбы художника был неожиданным и несказанно продуктивным. Бонне познакомился с Ньюуэмкампом, своим голландским земляком, владевшим виллой во Флоренции. Ньюуэмкамп любезно предоставил ему небольшую комнату в своих владениях и место в мастерской. Так завязалась судьбоносная дружба – Ньюуэмкамп увлек Бонне своими рассказами о тропическом рае и убедил его поехать на Бали. В 1929 году Бонне прибыл на Бали и поселился в Убуде, где скоро стал хорошим знакомым художника Вальтера Спиеса и другом семей местной знати. Вместе с Вальтером Спиесом Бонне основал в Убуде союз художников под названием Питамаха в целях развития местной художественной школы и привлечения молодежи к живописи и художественным ремеслам. Талант художника был высоко оценен и представителями голландской колониальной администрации, и местной знатью, и, впоследствии президентом Сукарно. Бонне способствовал основанию в Убуде местного художественного музея и завещал этому музею всю свою коллекцию живописи, ставшую основой коллекции музея «Пури Лукисан» в Убуде. Бонне покинул Индонезию в 1957 году, как и многие другие европейские экспатрианты, но вернулся на Бали спустя 15 лет. Умер художник после очередного возвращения в Голландию в 1978 году, но завещал похоронить свое тело в соответствии с балийским ритуалом – и он был кремирован на Бали по всем правилам местного индуистского обряда, его прах был развеян над океанским простором, при жизни вдохновлявшем его, даровавшем силу его воображению и духу.  Адриан Вильхельмус Смит (Арие Смит). Деревенские работники. 2000. Холст, акрил. Арие Смит (год рождения 1916) учился графике в художественной школе Роттердама, с юности был увлечен творчеством Поля Синьяка, Сезанна и Гогена. В 1938 году он был командирован в «Датскую Восточную Индию», то есть в Индонезию, где в Батавии стал служить в качестве военного литографа в Датской армейской топографической службе. В 1942 году он был пленен японскими милитаристскими оккупантами Восточной Явы и провел три с половиной года в военном лагере на принудительных работах, выполняя грубую работу по строительству дорог в Сингапуре, Тайланде и Бирме. Но эти сложные годы не сломили творческой силы художника, его вдохновения, не растратили его талант. Когда кончилась война в 1945 году он вернулся в свободную и от европейских колонизаторов, и от японских оккупантов Республику Индонезия, став гражданином этой страны в 1951 году. Арие Смит стал преподавать рисунок и литографию в Технологическом Институте в городе Бандунг. В 1956 году Арие Смит наконец-то реализовал свою мечту и прибыл на Бали, где и решил остаться, основав художественную студию в Убуде. Здесь, и только здесь, как ни в каком другом месте на земле, Арие Смит смог насытить свой взгляд мягким «магическим» светом над вершинами гор в рассветной дымке, причудливой игрой светотени в глубине тропических джунглей, яркостью невиданных прежде тропических цветов, изысканным узорочьем архитектуры индуистских храмов. Все это Арие Смит с огромной любовью и наблюдательностью передает в своих работах, привлекает местных мастеров в свою студию и способствует развитию богатой талантами художественной школы города Убуд. Художественная студия Арие Смита, двери которой всегда были открыты для местной молодежи с разным уровнем таланта, опыта и образования, стала «домом» для балийских юных мастеров, и так возникло особое художественное движение под названием «Стиль Молодых», насчитывающее в общей сложности более четырехсот (!) последователей. Арие Смит внес огромный вклад в индонезийскую и в мировую художественную культуру, как своим собственным творчеством, так и преподавательской, и меценатской деятельностью.  Виктор Тардье. В Ханое. 1925. Масло на доске. В коллекции музея широко представлены так же и работы художников из других стран Тихоокеанского региона, притом как местных мастеров, так и европейских экспатриантов. В коллекции музея и в музейных фондах хранятся редкие картины и рисунки французского художника Виктора Тардье, внесшего огромный вклад в формирования современной вьетнамской масляной живописи. Работы этого художника разошлись по частным коллекциям или были утрачены в ходе жестокой войны во Вьетнаме. Эти работы представляют высокую художественную и историческую ценность, они проливают свет на многие вопросы, связанные с историей становления вьетнамской масляной живописи, ведь именно Виктор Тардье был первым мастером, привнесшим во Вьетнам традиции европейской живописи. Виктор Тардье (1870 – 1937) – французский художник, очень рано обосновавшийся в колониальном Вьетнаме, и, вопреки сопротивлениям как французской колониальной администрации, так и местной вьетнамской бюрократии, основал художественную школу во Вьетнаме, ставшую истоком для становления и развития вьетнамской масляной живописи и даровавшую миру многих поистине талантливых и выдающихся вьетнамских художников XX века, развивших национальную традицию и прививших к ней лучшие достижения европейской художественной школы. Воспоминания о прославленом Поле Гогене вызывают произведения мастеров из Полинезии, так же представленные в коллекции музея. Полинезийский современный художник Алой Пилиоко (род.1935) развивает традиции, заложенные Гогеном и ассоциирующиеся с особым полинезийским национальным колоритом.  Алой Пилиоко. Таитянский танец. 2005. Музей богат не только коллекцией живописи, но и этнографической коллекцией, в составе которой произведения ремесел из разных мест Тихоокеанского региона. Особый интерес представляет собрание масок, ритуальных костюмов и деревянных языческих идолов из отдаленных от цивилизации маленьких островов, затерявшихся на просторах Тихого океана.  Ритуальные маски. Вануату. Этнографическая коллекция. Музей искусств стран Тихоокеанского региона каждый год расширяет и пополняет свои коллекции новыми экспонатами, отсылает экспонаты для выставок за рубеж и устраивает выставки современных художников со всего мира. Каждый посетитель музея остается в восторге от экспозиции, находит интересующие его образы, обогащается новыми знаниями о богатой и насыщенной культурной и художественной жизни и истории стран Тихоокеанского региона. Лукашевская Яна Наумовна, 2012 Историк искусства, независимый арт критик, куратор выставок. Все фотографии выполнены автором статьи с любезного позволения администрации музея. по теме:
От: Лукашевская Яна Наумовна,
Скрыть комментарии (0)
Похожие темы:
|
