Итальянское искусство и живопись История итальянского искусства - это искусство самой Италии во времени и пространстве. После этрусской цивилизации и особенно после Римской республики и империи, которая занимала господствующее положение в этой части мира в течение многих столетий, Италия заняла центральное место в европейском искусстве в эпоху Возрождения. Италия также демонстрировала европейское художественное господство в XVI и XVII веках благодаря художественному направлению барокко. Она восстановила свое мощное присутствие на международной художественной сцене начиная с середины XIX века благодаря таким направлениям, как маккьяйоли, футуризм, метафизика, Новеченто, спациализм, арте повера и трансавангард. Итальянское искусство влияло на некоторые крупные направления на протяжении столетий, благодаря ему появились многие великие творцы, в том числе художники и скульпторы. Сегодня Италия занимает важное место на международной художественной сцене, здесь расположены несколько крупных художественных галерей, музеев и выставок; значимые центры искусства этой страны включают в себя ее столицу - Рим, а также Флоренцию, Венецию, Милан, Неаполь, Турин и другие города.
«Триумф Галатеи» Рафаэля Этрусское искусство Этрусские бронзовые фигуры и терракотовые погребальные рельефы являются примерами мощных традиций Центральной Италии, которая ослабла к тому времени, как Рим начал строительство своей империи на этом полуострове. Этрусские картины, сохранившиеся до нашего времени, - это в основном настенные фрески из захоронений, главным образом из Тарквинии. Это наиболее важный пример доримского изобразительного искусства Италии, известный ученым. Фрески исполнены в технике живописи поверх свежей штукатурки, это делалось для того чтобы, когда штукатурка высохнет, картина становилась частью штукатурки и неотъемлемой частью стены, помогающей ей сохраниться так хорошо (и действительно, почти вся сохранившаяся этрусская и римская живопись представлена только фресками). Цвета создавались из камней и минералов разного цвета, которые размалывали и смешивали друг с другом, мелкие кисти были сделаны из шерсти животных (даже лучшие кисти изготавливались из шерсти волов). С середины IV века до н.э. началось использование светотени для изображения глубины и объема. Иногда изображаются сцены из повседневной жизни, но чаще всего это традиционные мифологические сцены. Понятие пропорции не появляется ни в одной из сохранившихся фресок, и мы часто находим изображения животных или людей с некоторыми несоразмерными частями тела. Одна из самых известных этрусских фресок - это роспись Гробницы Львиц в Тарквинии. Римское искусство
Рим при императоре Константине, фото: Campus Martius, общественное достояние
Этруски отвечали за строительство ранних монументальных зданий Рима. Римские храмы и дома с большой точностью повторяли этрусские модели. Элементы этрусского влияния на римские храмы включали в себя подиум и акцент на фасад в ущерб остальным трем сторонам здания. Большие этрусские дома были сгруппированы вокруг центрального зала во многом так же, как и римские большие городские дома позже строились вокруг атриума. Влияние этрусской архитектуры постепенно ослабевало во времена республики из-за воздействий (особенно греческих) из других частей мира. Сама архитектура этрусков попала под влияние греков, поэтому, когда римляне переняли греческие стили, они не стали чужеродными для их культуры. Во времена республики, вероятно, происходило постоянное освоение архитектурных веяний в основном из эллинистического мира, но после падения Сиракуз в 211 г. до н.э. греческие произведения искусства хлынули в Рим. Во II веке до нашей эры поток этих работ и, что более важно, греческих мастеров, продолжил поступать в Рим, оказав решающее влияние на развитие римской архитектуры. К концу республики, когда Витрувий написал свой научный труд по архитектуре, греческая теория архитектуры и примеры архитектурных работ преобладали над всем остальным. По мере расширения империи римская архитектура распространилась на большие площади, она использовалась при создании как общественных зданий, так и некоторых крупных частных построек. Во многих областях элементы стиля, особенно украшения, попали под влияние местных вкусов, но архитектура оставалась узнаваемо римской. Стили местной архитектуры в той или иной степени попали под влияние римской архитектуры, и во многих регионах римские и местные элементы обнаруживаются в сочетании в одном здании. К I веку нашей эры Рим стал крупнейшим и самым развитым городом во всем мире. Древние римляне придумали новые технологии для улучшения систем санитарного контроля города, дорог и зданий. Они разработали систему акведуков, доставлявших в город по трубам пресную воду, и построили канализацию, удалявшую отходы города. Самые богатые римляне жили в больших домах с садами. Большая часть населения, однако, жила в многоквартирных домах из камня, бетона или известняка. Римляне разработали новые технологии и использовали такие материалы, как, например, вулканическую почву из Поццуоли - деревни недалеко от Неаполя, - чтобы сделать свой цемент крепче и прочнее. Этот цемент позволил им строить большие бетонные многоквартирные дома, называемые инсулами.
Статуя, известная как «Август из Прима-Порта, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported Настенные рисунки украшали дома богачей. На картинах часто изображались садовые пейзажи, события из греческой и римской мифологии, исторические сцены или сцены из повседневной жизни. Римляне украшали полы мозаикой - рисунками или узорами, созданными из небольших цветных плиток. Богато расцвеченные картины и мозаики помогали сделать комнаты римских домов визуально больше и ярче, а также выставить напоказ богатство владельца. В христианскую эпоху поздней империи, в 350-500 гг. н.э., процветала настенная роспись, мозаичные украшения потолков и полов и погребальные скульптуры, в то время как полноразмерная скульптура для кругового обзора и живописные панно постепенно исчезали, скорее всего, по религиозным причинам. Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованную в Константинополь), на римское искусство начали оказывать влияние восточные веяния, дав рождение византийскому стилю поздней империи. Когда в V веке Рим был разорен, ремесленники переехали в и нашли работу в Восточной столице. Над созданием церкви Святой Софии в Константинополе трудились почти 10 000 рабочих и ремесленников, это был финальный аккорд римского искусства при императоре Юстиниане I, который также распорядился создать знаменитые мозаики Равенны. Средневековое искусство На протяжении всего средневековья итальянское искусство главным образом включало в себя архитектурные украшения (фрески и мозаики). Византийское искусство в Италии представляло собой очень формальное и изысканное декорирование со стандартизированной каллиграфией и поражающим использованием цвета и золота. До XIII века искусство в Италии было почти полностью региональным, оно попадало под влияние внешних европейских и восточных течений. После прим. 1250 г. искусство различных регионов выработало общие характеристики, поэтому наблюдалось определенное единство и глубокая оригинальность. Византийское искусство
После падения своей западной столицы Римская империя просуществовала еще 1000 лет под руководством Константинополя. Византийские мастера были задействованы в важных проектах по всей Италии, и византийские стили в живописи наблюдаются вплоть до XIV века. Готическое искусство Готический период знаменует собой переход от средневекового искусства к Возрождению, он характеризуется стилями и взглядами, развивавшимися под влиянием доминиканского и францисканского монашеских орденов, основанных святым Домиником и святым Франциском Ассизским соответственно. Это было время религиозных споров внутри церкви. Ордена францисканцев и доминиканцев были основаны как попытка решить эти споры и вернуть католическую церковь обратно к основам. Ранние годы францисканцев особенно запомнились милосердием святого Франциска, а доминиканцев помнят как орден, на котором лежит наибольшая ответственность за возникновение инквизиции. Готическая архитектура зародилась в северной Европе и распространилась на юг в Италию. Искусство эпохи Возрождения В средние века художники и скульпторы пытались придать своим работам религиозный характер. Они хотели, чтобы зрители сосредоточились на глубоком религиозном смысле их картин и скульптур. Но художники и скульпторы эпохи Возрождения, как и писатели этой эпохи, стремились изображать людей и природу реалистично. Средневековые архитекторы проектировали огромные соборы для того, чтобы подчеркнуть величие Бога и смирить дух человеческий. Архитекторы эпохи Возрождения проектировали здания, пропорции которых были основаны на пропорциях человеческого тела, а их украшения имитировали древние узоры. Искусство 1300-х и начала 1400-х годов В начале 1300-х годов флорентийский художник Джотто стал первым художником, изобразившим природу реалистично. Он создал великолепные фрески (живопись по сырой штукатурке) для церквей в Ассизи, Флоренции, Падуе и Риме. Джотто предпринял попытку создать реалистичные фигуры, демонстрирующие реальные эмоции. Он изображал многих своих персонажей в реальных условиях. Замечательная группа флорентийских архитекторов, художников и скульпторов создавала свои работы в начале 1400-х годов. Среди них были художник Мазаччо, скульптор Донателло и архитектор Филиппо Брунеллески. Лучшей работой Мазаччо была серия фресок, которую он создал приблизительно в 1427 г. в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции. Эти фрески реалистично демонстрируют библейские сцены эмоциональной напряженности. В этих работах Мазаччо использовал систему Брунеллески для создания линейной перспективы. Донателло в своих скульптурах пытался изобразить достоинство человеческого тела с реалистичными и часто драматическими подробностями. Его шедевры включают в себя три статуи библейского героя Давида. В версии, завершенной в 1430-е гг., Давид Донателло изображен как изящный, обнаженной юноша, показанный через мгновения после того, как он убил великана Голиафа. Работа, высота которой составляет около 5 футов (1,5 метров), была первой крупной свободно стоящей скульптурой обнаженного человека, созданной в западном искусстве со времен античности. Брунеллески был первым архитектором эпохи Возрождения, возродившим древний римский стиль архитектуры. В своих проектах он использовал арки, колонны и другие элементы классической архитектуры. Одним из его самых известных зданий является красиво и гармонично выстроенная капелла Пацци во Флоренции. Эта часовня, строительство которой началось в 1442 г. и завершилось около 1465 г., была одним из первых зданий, построенных в новом стиле эпохи Возрождения. Брунеллески был также первым творцом эпохи Возрождения, освоившим линейную перспективу - математическую систему, с помощью которой художники могли демонстрировать пространство и глубину на плоской поверхности. Искусство конца 1400-х и начала 1500-х годов Выдающимися представителями искусства конца 1400-х и начала 1500-х годов были три мастера. Это были Микеланджело, Рафаэль и Леонардо да Винчи. Микеланджело был выдающимся живописцем, архитектором и поэтом. Кроме того, он был назван величайшим скульптором в истории. Микеланджело был мастером изображения человеческого тела. Например, его знаменитая статуя вождя израильского народа Моисея (1516 г.) производит чрезвычайное впечатление физической и духовной мощи. Эти качества также проявляются во фресках на библейские и классические сюжеты, которые Микеланджело написал на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане. Эти фрески, написанные с 1508 по 1512 годы, принадлежат к числу величайших произведений искусства эпохи Возрождения.
«Давид» Микеланджело Картины Рафаэля в общих чертах являются более мягкими и поэтическими, чем у Микеланджело. Рафаэль был мастером создания перспективы и деликатного использованию цвета. Он написал несколько прекрасных образов Мадонны (Девы Марии) и много выдающихся портретов. Одним из его величайших произведений является фреска «Афинская школа». На эту картину оказали влияние классические греческие и римские модели. Она изображает великих философов и ученых Древней Греции на фоне классических арок. Тем самым Рафаэль устанавливал связь между культурой античности и итальянской культурой своего времени. Леонардо да Винчи написал два самых известных произведения искусства эпохи Возрождения: фреску «Тайная Вечеря» и портрет Моны Лизы. Леонардо обладал одним из самых пытливых умов во всей истории. Он хотел знать, как работает все, что он видел в природе. На более чем 4000 страницах своих записей он чертил подробные схемы и записывал свои наблюдения. Леонардо создал детальные рисунки человеческих скелетов и мышц, пытаясь узнать, как работает тело. Благодаря своему пытливому уму Леонардо стал символом духа обучения и интеллектуального любопытства эпохи Возрождения. Создателем архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте, который приехал в Рим в 1499 году в возрасте 55 лет. Его первый римский шедевр Темпьетто (1502 г.) в Сан-Пьетро-ин-Монторио - это централизованная купольная конструкция, напоминающая классическую храмовую архитектуру. Папа Юлий II выбрал Браманте в качестве папского архитектора, и вместе они разработали план по замене старой базилики Святого Петра IV века на новый собор гигантских размеров. Однако данный проект был завершен только спустя долгое время после смерти Браманте. Гуманистические исследования продолжились под покровительством властных пап Высокого Возрождения, Юлия II и Льва X, так же как и развитие полифонической музыки. Сикстинский Хор, который выступал на службах, когда папа совершал богослужение, привлекал музыкантов и певцов со всей Италии и северной Европы. Среди наиболее известных композиторов, бывших его членами, были Жоскен де Пре и Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Маньеризм Маньеризм был элегантным и изысканным стилем. Он процветал во Флоренции, где его ведущими представителями были Джорджо Вазари и Бронзино. Этот стиль был представлен во французском дворе благодаря Россо Фиорентино и Франческо Приматиччо. Венецианский художник Тинторетто также попал под влияние этого стиля. Маньеристский подход к живописи также оказал влияние на другие виды искусства. В архитектуре работа итальянского архитектора Джулио Романо является ярким тому примером. Итальянец Бенвенуто Челлини и Джамболонья, родившийся во Фландрии, были главными представителями этого стиля в скульптуре. Некоторые историки считают этот период упадком классицизма Высокого Возрождения или даже промежуточным периодом между Высоким Возрождением и барокко, и в этом случае, сроки называются, как правило, с приблизительно 1520 г. по 1600 г., и говорится о конкретном полноценном по своей природе стиле. Искусство барокко и рококо
«Призвание святого Матфея» Караваджо В начале XVII века Рим стал центром восстановления итальянского господства в искусстве. В Парме Антонио да Корреджо украсил церковные своды живыми образами, мягко плывущими на облаках, - эта работа оказала существенное влияние на потолочную роспись эпохи барокко. Бурные контрастные картины Караваджо и динамичные, иллюзионистские картины болонской семьи Карраччи положили начало барочному периоду в итальянском искусстве. Доменикино, Франческо Альбани, а позже Андреа Саччи были среди тех, кто дополнил искусство Карраччи классическими предпосылками. С другой стороны Гвидо Рени, Гверчино, Орацио Джентилески, Джованни Ланфранко, а позже Пьетро да Кортона и Андреа Поццо, несмотря на тщательную подготовку в классическо-аллегорической манере, поначалу были склонны писать динамичные композиции, полные жестикулирующих фигур в манере, близкой к Караваджо. Великим виртуозом изобилия и величия барокко в скульптуре и архитектуре был Джан Лоренцо Бернини. К 1640 году многие из художников склонились к классическому стилю, выдвинутому в Риме на передний план французским экспатриантом Николя Пуссеном. Скульпторы Алессандро Альгарди и Франсуа Дюкенуа также склонялись к классическому стилю. Известными художниками позднего барокко являются генуэзец Джованни Баттиста Гаулли и неаполитанцы Лука Джордано и Франческо Солимена. Лучшие мастера XVIII века пришли из Венеции. Среди них были блестящий представитель стиля рококо Джованни Баттиста Тьеполо; архитектурные художники Франческо Гварди, Каналетто, Джованни Баттиста Пьяцетт и Бернардо Беллотто; а также гравер, работавший с римскими археологическими находками, Джованни Баттиста Пиранези. Итальянский неоклассицизм и искусство XIX века
«Поцелуй» Франческо Хайеса Так же, как и в других частях Европы, итальянское неоклассическое искусство базировалось в основном на принципах древнеримского и древнегреческого искусства и архитектуры, а также на итальянской архитектуре эпохи Возрождения и ее основах, например, это наблюдается в вилле Карпа «Ла Ротонда». Классицизм и неоклассицизм в итальянском искусстве и архитектуре развивались во время итальянского Возрождения, в частности, в трудах и проектах Леона Баттисты Альберти и работе Филиппо Брунеллески. Акцент делается на симметрии, пропорции, геометрии и упорядоченности частей таким образом, как они демонстрировались в архитектуре античности, в частности, в архитектуре Древнего Рима, множество примеров которой сохранилось. Правильный порядок колонн, пилястр и архитравных балок, а также использование полукруглых арок, полусферических куполов, ниш и эдикул заменили более сложные пропорциональные системы и несимметричные очертания средневековых зданий. Этот стиль быстро распространился на другие итальянские города, а затем и на остальную часть континентальной Европы. Скульптор Антонио Канова был одним из ведущих представителей неоклассического стиля. Будучи известным на международном уровне он считался наиболее выдающимся скульптором в Европе. Маккьяйоли Италия создала свою собственную форму импрессионизма - художников группы маккьяйоли, которые на самом деле были первыми представителями этого стиля, еще до наиболее известных импрессионистов. Это были Джованни Фаттори, Сильвестро Лега, Телемако Синьорини, Джузеппе Аббати. Художники маккьяйоли были предвестниками импрессионизма во Франции. Они верили, что области света и тени, или "macchie" (буквально пятна или точки) были главными составляющими компонентами произведения искусства. Слово "macchia" обычно использовалось итальянскими художниками и критиками в XIX веке для описания игристого качества рисунка или живописи, которое возникало либо из-за эскизного и спонтанного исполнения, либо из-за гармоничной широты его общего впечатления. В неодобрительной рецензии, опубликованной 3 ноября 1862 года в журнале Gazzetta del Popolo, термин «маккьяйоли» впервые появился в печати. Данный термин имел несколько значений: насмешливое обозначение того, что ценные законченные работы были не более чем эскизами, и ссылка на фразу "darsi alla macchia", что идиоматически означает «прятаться в кустах или в зарослях». Художники же на самом деле рисовали большую часть своих работ в этих диких местах. Данный смысл названия также приравнивал художников к преступникам, отражая мнение традиционалистов о том, что новая школа художников работала вне пределов правил искусства, согласно строгим законам, определявшим художественную выразительность в то время. Современное итальянское искусство В начале XX века представители футуризма разработали динамическое представление современного мира, в то время как Джорджо де Кирико демонстрировал странное метафизическое спокойствие, а Амедео Модильяни присоединился к парижской школе. Более поздние одаренные современные мастера включают в себя скульпторов Джакомо Манцу, Марино Марини, художника-натюрмортиста Джорджо Моранди и живописца-новатора Лучо Фонтану. Во второй половине XX века итальянские дизайнеры, особенно представители Милана, оказали значительное влияние на международные стили, благодаря своим впечатляющим и хитроумным функциональным работам. Футуризм
«Улица входит в дом» Умберто Боччони Футуризм был итальянским художественным направлением, процветавшим с 1909 по 1916 годы. Он был первым из множества направлений, предпринявшим попытку порвать с прошлым во всех сферах жизни. Футуризм прославлял мощь, скорость и возбуждение, которые были характерны для века машин. Переняв опыт французских художников-кубистов, а также благодаря фотографии с многократной экспозицией футуристы научились разбивать реалистичные формы на несколько образов и перекрывающихся фрагментов цвета. Такими средствами они пытались изобразить энергию и скорость современной жизни. В литературе футуризм требовал отмены традиционных структур предложений и стихотворных форм. О футуризме впервые было сказано 20 февраля 1909 года, когда парижская газета Le Figaro опубликовала манифест итальянского поэта и редактора Филиппо Томмазо Маринетти. Маринетти придумал само слово футуризм, чтобы отразить свою цель по отказу от искусства прошлого и воспеванию изменений, оригинальности и инноваций в культуре и обществе. Манифест Маринетти прославлял новую технологию автомобиля и красоту его скорости, мощности и движения. Возвеличивая насилие и конфликт, он призывал к решительному отказу от традиционных ценностей и разрушению культурных учреждений, например, музеев и библиотек. Риторика манифеста была страстно напыщенной; его агрессивный тон намерено предназначался для того, чтобы пробуждать общественное недовольство и вызвать споры. Манифест Маринетти вдохновил группу молодых художников в Милане на применение футуристических идей в изобразительном искусстве. Умберто Боччони, Карло Карра, Луиджи Руссоло, Джакомо Балла и Джино Северини опубликовали несколько манифестов о живописи в 1910 году. Как и Маринетти, они прославляли оригинальность и выражали свое презрение к унаследованным художественным традициям. Боччони также увлекся скульптурой, опубликовав манифест по этой теме весной 1912 года. Он, как считается, наиболее полно воплотил свои теории в двух скульптурах: «Развитие бутылки в пространстве» (1912 г.), в которой он представил как внутренние, так и внешние контуры бутылки, и «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913 г.), в которой человеческая фигура изображается не как одна сплошная форма, вместо этого она состоит из нескольких плоскостей в пространстве, через которое эта фигура движется.
«Уникальные формы непрерывности в пространстве» Умберто Боччони Футуристические принципы также распространились и на архитектуру. Антонио Сант-Элиа сформулировал футуристический манифест об архитектуре в 1914 году. Его концептуальные чертежи высокомеханизированных городов и смелых современных небоскребов стали прообразом некоторых наиболее творческих архитектурных проектов XX века. Боччони, который был самым талантливым художником в этой группе, и Сант-Элиа оба умерли во время военной службы в 1916 году. Смерть Боччони в сочетании с расширением состава группы и отрезвляющими реалиям разрушений, вызванных Первой мировой войной, положили окончательный конец футуристическому направлению как важному историческому событию в изобразительном искусстве. Метафизическое искусство Метафизическая живопись - это направление в итальянском искусстве, зародившееся в 1917 году благодаря работам Карло Карра и Джорджо де Кирико в Ферраре. Слово «метафизический» выбранное самим Де Кирико, является основой поэтики этого направления. Они изображали сказочные образы, их фигуры и предметы, кажется, застыли во времени. Художники метафизического направления принимают представление видимого мира в традиционном перспективном пространстве, но с необычной компоновкой людей в виде манекеноподобных моделей, объектов в странных, нелогичных ситуациях, нереальных огней и цветов, с неестественной неподвижностью статических фигур. Итальянское Новеченто Новеченто - это группа итальянских художников, образованная в 1922 году в Милане, они выступали за возврат к великому итальянскому изобразительному искусству прошлого. Основателями направления Новеченто (итал. «XX век») были критик Маргарита Сарфати и семь художников: Ансельмо Буччи, Леонардо Дудревилль, Ахилло Фуни, Джан-Эмилио Малерба, Пьетро Маруссиг, Убальдо Оппи и Марио Сирони. Под руководством Сарфатти данная группа стремилась возродить итальянское искусство, отвергнув европейские авангардные направления и переняв художественные традиции Италии. Другими творческими личностями, связанными с Новеченто, были скульпторы Марино Марини и Артуро Мартини и живописцы Оттоне Росаи, Массимо Кампигли, Карло Карра и Феличе Казорати. Спациализм Это направление, основанное итальянским художником Лючио Фонтана как Movimento spaziale, от итал. spazio - пространство. Его принципы утверждались в манифестах, созданных в период с 1947 по 1954 годы. Сочетая элементы конкретного искусства (направление авангардистского искусства), дада и ташизма, приверженцы этого нового направления отвергали станковую живопись и использовали новые технологические разработки, стремясь к сочетанию времени и движения в своих работах. Картины Фонтаны с прорезями и разрывами являются примером этих положений. Арте Повера Арте Повера - это художественное направление, возникшее в Италии в 1960-х годах, оно сочетало в себе аспекты концептуального искусства, минимализма и исполнительского искусства и использовало негодные или распространенные материалы, такие как земля или газеты, в надежде помешать коммерциализации искусства. Выражение Арте Повера на итальянском языке буквально означает «бедное искусство». Трансавангард Термин «трансавангард» - это изобретение итальянского критика Акилле Бонито Олива. Он определяет трансавангардное искусство как традиционное по формату (в основном это живопись или скульптура), аполитичное и, прежде всего, эклектичное. Список основных музеев и галерей Италии В музеях и галереях, перечисленных ниже, хранятся важные коллекции итальянской живописи/артефактов Г. Анкона - Пинакотека Франческо Подести Г. Бергамо - Академия Каррары Г. Болонья - Национальная пинакотека Болоньи Г. Брешиа - Пинакотека Тозио Мартиненго Г. Кортона - Музей священного искусства - Музей этрусской академии города Кортона Г. Флоренция - Галерея Уффици - Палаццо Питти - Галерея Академии изящных искусств - Национальный музей Барджелло - Национальный музей Сан Марко - Национальный археологический музей Флоренции - Музей Опера-дель-Дуомо - Палаццо Веккьо - Музей Орсанмикеле - Мастерская обработки самоцветов Г. Генуя - Палаццо Россо - Палаццо Бьянко - Палаццо Реале Г. Милан - Пинакотека Брера - Музей Польди-Пеццоли - Замок Сфорца - Пинакотека Амброзиана Г. Неаполь - Музей Каподимонте - Национальный археологический музей Неаполя Г. Падуя - Городской музей Падуи Г. Палермо - Палаццо Абателлис Г. Парма - Национальная галерея Пармы - Фонд Маньяни-Рокка Г. Перуджа - Национальный музей Умбрии Г. Пиза - Национальный музей Сан Маттео Г. Прато - Городской музей Прато - Музей Кафедрального собора Г. Реджо-ди-Калабрия - Национальный музей Великой Греции Г. Рим - Музей Ватикана - Галерея Боргезе - Капитолийские музеи - Центр Монтемартини - Национальный римский музей - Галерея Дориа-Памфили - Палаццо Барберини - Палаццо Корсини - Национальный музей этрусков - Замок Святого Ангела (Кастель Сант-Анджело) - Галерея Спада - Музей Барракко - Галерея современного искусства Г. Сиена - Национальная пинакотека Сиены - Палаццо Публико - Музей Сиенского собора (Музей произведений Дуомо) Г. Турин - Галерея Сабауда - Палаццо Реале (Королевский дворец) - Палаццо Мадама Г. Урбино - Национальная галерея Марке Г. Венеция - Галерея Академии - Ка' д'Оро - Палаццо Дукале - Музей Коррер - Скуола Сан-Рокко - Скуола ди Сан-Джорджо дельи Скьявони Некоторые жемчужины итальянского искусства
«Буря» Джорджоне «Весна» Боттичелли «Рождение Венеры» Боттичелли «Венера Урбинская» Тициана
«Любовь земная и Любовь небесная» Тициана «Благовещение» Леонардо да Винчи «Бичевание Христа» Пьеро делла Франческа Перевод одноимённой статьи английской википедии. Ссылки:
От: НовА,
Скрыть комментарии (1)
Похожие темы:
|
Италия- шикарная страна! Живопись у них такая же особенная. Ине понравилась статья, очень увлекательно и познавательно!
1