Кубизм - направление в живописи

Кубизм (по-французски cubisme, от «cube» — «куб») — направление во французском искусстве 1900-х - 1910-х. Основоположники и лидеры кубизма Пабло Пикассо и Жорж Брак опирались на результаты опытов построения упорядоченной стереометрической формы в трехмерном пространстве, проводившихся многими мастерами: от Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера до Поля Сезанна и Михаила Врубеля.

В картине объект разлагается на многие углы зрения в стремлении довести до зрителя самую полную информацию. Он объединяет разные углы зрения, например, прямой с боковым, вид сверху, снизу, и разъясняет очертания, скрытые от зрителя. В основном преобладает многоцветность, отсутствуют свет и атмосфера - аналитический кубизм (Пикассо, Брак).

В 1908 году сложилось первое объединение кубистов — группа «Бато Лавуар» («Лодка-плотомойня»), которую возглавил Пабло Пикассо (в группу вошли Жорж Брак и поэт-авангардист Макс Жакоб); в 1911 образовалось более широкое объединение кубистов «Золотое сечение», куда вошли Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Андре Лот, Роже де ла Френе, Анри Ле Фокопье.

В своём развитии кубизм прошел несколько фаз и подразделяется на: сезанновский, аналитический и синтетический.

Анри Ле Фоконье. Альпинисты, атакованные медведями. 1912, Музей RISD, фото: Общественное достояние

У истоков кубизма стояли Жорж Брак и Пабло Пикассо, позже к ним присоединились Жан Метценже, Альбер Глез, Робер Делоне, Анри Ле Фоконье, Фернан Леже и Хуан Грис. Основной фактор, который привёл к созданию кубизма, заключался в представлении трёхмерной формы в последних произведениях Поля Сезанна. В «Осеннем салоне» 1904 года была проведена ретроспектива картин Сезанна, текущие работы представили в «Осеннем салоне» 1905 и 1906 годов, а затем две памятные ретроспективы после его смерти в 1907 году.

В произведениях в стиле кубизм, объекты проанализированы, разбиты и повторно собраны в абстрактной форме - вместо того, чтобы изобразить объекты с одной точки, художник рисует предмет с множества точек, дабы представить его в большем контексте.

Влияние кубизма было далеко идущим и всесторонним. Он быстро распространился по всему миру, при этом развывшись в большей или меньшей степени. Кубизм, в сущности, был отправной точкой эволюционного процесса, создавшего многообразие; он был предшественником разнообразных художественных течений.

Во Франции развились такие ответвления кубизма как орфизм, абстрактное искусство, а позже пуризм. В других странах возник футуризм, супрематизм, дадаизм, конструктивизм и неопластицизм. Ранний футуризм, как и кубизм, объединял прошлое и настоящее, представляя различные виды одновременно изображённого предмета, также названного множественной перспективой, одновременностью или множественностью, при этом конструктивизм находился под влиянием техники Пикассо, которая заключалась в построении скульптуры из отдельных элементов. Другие общие темы между этими разными направлениями включают огранку или упрощение геометрических форм и объединение механизации и современной жизни.

Концепция и происхождение

Кубизм зародился в 1907-1911 годах. Картина Пабло Пикассо 1907 года «Авиньонские девицы» часто считается протокубистской работой. «Дома в Эстаке» Жоржа Брака (и связанные с ней работы) побудили критика Луи Воселя обратиться к bizarreries cubiques (кубическим странностям). Гертруда Стайн ссылалась на пейзажи, написанные Пикассо в 1909 году, например, «Водоем (Резервуар в Хорта де Эбро)», как первые кубистские картины. Первая организованная групповая выставка кубистов состоялась в «Салоне независимых» в Париже весной 1911 года в помещении под названием «Зал 41» (Salle 41); она включала произведения Жана Метценже, Альбера Глеза, Фернана Леже, Робера Делоне и Анри Ле Фоконье, работы Пикассо и Брака ещё не выставлялись.

Поль Сезанн Quarry Bibémus («Каменоломня Бибемюс»), 1898-1900, Музей Фолькванг, Эссен Германия, фото: Общественное достояние

К 1911 году Пикассо был признан изобретателем кубизма, при этом важность и предшественность Брака, в отношении его трактовки пространства, объёма и массы в пейзажах Л'Эстака, доказали позже. Но «это виденье кубизма связано с отчетливо ограничивающим определением кого из художников правильно называть кубистами», писал историк искусства Кристофер Грин: «Игнорирование вклада художников, которые выставлялись на «Салоне независимых» в 1911 году...»

Историки разделили историю кубизма на этапы. По одной версии первый этап кубизма, известный как аналитический кубизм, фразу придумал Хуан Грис на основе опыта, был настолько радикальным и влиятельным, как коротким, но при этом важным направлением в искусстве 1910-1912 годов Франции. Второй этап, синтетический кубизм, оставался актуальным до 1919 года, когда популярность приобрёл сюрреализм. Английский искусствовед Дуглас Купер предложили другую версию, описав три этапа кубизма в своей книге «Эпоха кубизма». Согласно Куперу «ранний кубизм» (1906-1908 гг.) был, когда направление развивалось в студиях Пикассо и Брака; второй этап, назывался «высокий кубизм» (1909-1914 гг.), за это время появился значительный представитель кубизма Хуан Грис (после 1911 года); и в заключении Купер назвал «поздний кубизм» (1914-1921 гг.) в качестве последнего этапа кубизма как радикального авангардного направления. Дуглас Купера ограничил использование этих терминов с целью выделить творчество Брака, Пикассо, Гриса (с 1911) и Леже (в меньшей степени) подразумевая намеренное оценочное суждение.

Утверждение, что кубисты изображают пространство, массу, время и объём подтверждая (вместо того, чтобы отрицать) плоскостность холста, выступил Даниэль-Анри Канвейлер в 1920 году, но в 1950-х и 1960-х годах оно стало предметом критики, особенно со стороны Клемента Гринберга. Современные взгляды кубизма сложны, сформировались в какой-то степени в ответ на кубистов «Зала 41», чьи методы слишком отличались от Пикассо и Брака, и считаются лишь вторичными по отношению к ним. Поэтому были разработаны альтернативные интерпретации кубизма. Более широкие взгляды кубизма включают: художников, которые позднее были связаны с художниками «Зала 41», например, Франсис Пикабиа; братья Жак Вийон, Раймон Дюшан-Вийон и Марсель Дюшан, который начинал в конце 1911 года, сформировав ядро «Золотого сечения» (или группа Пюто); скульпторы Александр Архипенко, Йожеф Чаки и Осип Цадкин, а также Жак Липшиц и Анри Лоран; и такие живописцы как Луи Маркусси, Роже де ла Френе, Франтишек Купка, Диего Ривера, Леопольд Сюрваж, Огюст Эрбен, Андре Лот, Джино Северини (после 1916 г.), Мария Бланшар (после 1916 г.) и Жорж Вальмьер (после 1918 г.). Более существенно то, что Кристофер Грин утверждает, что термины Дугласа Купера были «впоследствии поставлены под сомнение интерпретациями творчества Пикассо, Брака, Леже и Грис, которые скорее подчёркивают иконографические и идеологические вопросы, чем методы представления».

Джон Бёрджер определяет суть кубизма с помощью механической схемы. «Метафорическая модель кубизма представляет собой диаграмму: диаграмма является видимым символическим представлением невидимых процессов, сил, структур. Диаграмме не нужно избегать определенных аспектов внешнего вида, но они тоже будут рассматриваться как знаки, а не как копии или заново созданные творения».

Технические и стилистические аспекты

В конце 19-го и начале 20-го веков европейцы открывали африканское, полинезийское, микронезийское и индейское искусство. Художники, такие как Поль Гоген, Анри Матисс и Пабло Пикассо были заинтригованы и вдохновлены невероятной мощью и простотой стилей этих иноземных культур. Приблизительно в 1906 году Пикассо встретил Матисса благодаря Гертруде Стайн, в то время, когда оба художника только заинтересовались примитивизмом и иберийской скульптурой, африканским искусством и масками африканских племён. Они стали дружественными соперниками и соревновались друг с другом на протяжении всей жизни, что, возможно, к 1907 году привело Пикассо к новому периоду в творчестве, который отметился влиянием греческого, иберийского и африканского искусства. Картины Пикассо 1907 года определяются как протокубизм, предшественник кубизма, что особенно видно в картине «Авиньонские девицы».

Искусствовед Дуглас Купер утверждает, что Поль Гоген и Поль Сезанн «оказали большое влияние на формирование кубизма, а особенно на картины Пикассо 1906-1907 годов». Купер говорит о том, что: ««Авиньонских девиц», как правило, называют первым кубистическим изображением. Это преувеличение, ибо, хотя оно и было первым основным шагом к кубизму, это ещё не кубизм. Подрывной, экспрессионистский элемент в нём даже противоречит духу кубизма, который смотрит на мир в обособленном, реалистичном духе. Тем не менее, «Авиньонские девицы» - логическая картина, принятая в качестве отправной точки кубизма, потому что знаменует рождение нового живописного стиля, потому что в ней Пикассо яростно уничтожил установившиеся обычаи, и потому что всё последующее выросло из неё».

Наиболее серьезное возражение относительно «Авиньонских девиц», как источника кубизма, с очевидным влиянием на картину первобытного искусства, состоит в том, что «такие выводы исторически недостоверны», написал искусствовед Даниэль Роббинс. Это знакомое объяснение «не оказывает должного внимания многогранности процветающего искусства, которое существовало до и в период, когда новая картина Пикассо была написана. В 1905-1908 годах сознательный поиск нового стиля вызвал быстрые изменения в искусстве всей Франции, Германии, Голландии, Италии и России. Импрессионисты использовали двойную точку обзора, а набиды и символисты (которые также восхищались Сезанном) выравнивали картинную плоскость, уменьшая предметы до простых геометрических форм. Неоимпрессионистические структуры и темы, больше всего заметные в работах Жоржа Сёра (например, «Парад», «Канкан» и «Цирк»), были ещё одним важным влиянием. Существуют также параллели в развитии литературы и общественной мысли.

В дополнение к Сёра, корни кубизма можно найти в двух различных тенденциях позднего творчества Сезанна: первая - разделение живописной поверхности на небольшие многогранные области, тем самым подчеркивая множественную точку виденья бинокулярного зрения, а вторая - интерес к упрощению естественных форм до цилиндров, сфер и конусов. Тем не менее, кубисты исследовали эту концепцию глубже, чем Сезанн. Они представляли все поверхности изображенных объектов в одной картинной плоскости, словно одновременно стали видны все стороны объектов. Этот новый вид изображением коренным образом изменил способ визуализации объектов в живописи и искусстве.

Историческое исследование кубизма началось в конце 1920-х годов, опираясь на первый из источников с ограниченными данными, а именно на мнения Гийома Аполлинер. Оно также в значительной степени зависело от книги Даниэль-Анри Канвейлера «Der Weg zum Kubismus» («Путь к кубизму») (опубликована в 1920 году), которая фокусировалась на развитии Пикассо, Брака, Леже и Гриса. Термины «аналитический» и «синтетический», появившиеся впоследствии, получили широкое признание начиная с середины 1930-х годов. Оба термина исторически навязаны, и возникнули после фактов, которые они определяют. Ни один из двух этапов не был установлен как таковой в то время, когда соответствующие работы были созданы. Дэниел Роббинс писал: «Если Канвейлер рассматривает кубизм, как Пикассо и Брак, наша единственная вина заключается в подчинении работ других кубистов суровости этого ограниченного определения».

Традиционное толкование «кубизма», сформировавшееся постфактум как способ понимания работ Брака и Пикассо, сказалось на нашей оценке других художников двадцатого столетия. Трудно обращживописцев, наподобие Жана Метценже, Альбера Глеза, Робера Делоне и Анри Ле Фоконье, чьи принципиальные отличия от традиционного кубизма заставили Канвейлера подвергнуть сомнению их право вообще называться кубистами. По словам Дэниэла Роббинса: «Полагать, что просто потому, что эти художники развивались по-разному или отошли от традиционного стиля, они заслужили, чтобы их оттеснили на второй план в кубизм - глубокое заблуждение».

История термина «кубизм» обычно подчеркивает тот факт, что Матисс обращался к «кубам» в связи с живописью Брака в 1908 году, и что в аналогичном контексте термин был дважды опубликован критиком Луи Воселем. Однако слово «куб» в 1906 году использовал другой критик Луи Шассевен, ссылаясь не на Пикассо или Брака, а скорее Метценже и Делоне:

«Метценже такой же мозаист, как и Синьяк, но он придаёт большую точность огранке цвета кубов, которые, по-видимому, созданы механически...»

Критическое использование слова «куб» восходит, по крайней мере, к маю 1901 года когда Жан Бераль, анализируя работу Анри Эдмон Кросса на Независимых в галерее Art et Littérature, прокомментировал, что тот «использует большой и квадратных пуантилизм, создавая впечатление мозаики. Он даже удивился, почему художник не использовал разнообразно окрашенные кубы: они бы создали милое покрытие» (Роберт Герберт, 1968, стр. 221)

Термин кубизм не вошёл в общее употребление до 1911 года, особенно по отношению к Метценже, Глезу, Делоне и Леже. В 1911 году поэт и критик Гийом Аполлинер принял термин от имени группы художников, приглашённых выставляться в Брюсселе на выставке «Независимых». В следующем году, в рамках подготовки к «Салону Золотого сечения», Метценже и Глез написали и опубликовали манифест «О кубизме», в попытке развеять путаницу, которая бушевала вокруг слова, и в качестве основной защиты кубизма (что вызвало публичный скандал на «Салоне независимых» 1911 года и «Осеннем салоне» 1912 года в Париже). Уточняя свои цели, как художников, этот труд был первым теоретическим трактатом по кубизму, и он по-прежнему остается ясным и наиболее понятным. Результат, не только сотрудничества двух авторов, показал обсуждения круга художников, которые встретились в Пюто и Курбевуа. Он отражает отношение «художников Пасси», среди которых были Пикабиа и братья Дюшан, которым был прочитан параграф манифеста до его публикации. В нём разработана концепция наблюдения за предметом одновременно с разных точек в пространстве и времени, т. е. акт перемещения вокруг объекта с целью захватить его с нескольких углов, которые слились в единый образ (несколько точек зрения, мобильных перспективы, одновременности или кратность), является общепризнанным приёмом, используемым кубистами.

В 1913 году, за манифестом «О кубизме» 1912 года Метценже и Глеза, последовала книга «Художники-кубисты: Размышления об искусстве», коллекция изображений и комментариев Гийома Аполлинера. Он был тесно связан с Пикассо начиная с 1905 года, и Браком с 1907 года, но уделял много внимания таким художникам, как Метценже, Глез, Делоне, Пикабиа и Дюшан.

Кубизм до 1914 года

Существует чёткое различие между кубистами Канвейлера и кубистами Салона. До 1914 Брак, Пикассо и Леже (в меньшей степени), Грис получили поддержку единственного заинтересованного арт-дилера в Париже Даниэль-Анри Канвейлера, который гарантировал им годовой доход за исключительное право приобретения их работ. Продавал их только небольшому кругу ценителей. Его поддержка давала художникам свободу экспериментировать в относительной конфиденциальности. Пикассо работал на Монмартре до 1912 года, в то время как Брак и Грис оставались там до окончания Первой мировой войны. Леже обосновался на Монпарнасе.

Альбер Глез Man on a Balcony (Portrait of Dr. Théo Morinaud) («Человек на Балконе (Портрет доктора Тео Моринода)»), 1912, масло, холст, 195.6 x 114.9 см, Художественный музей Филадельфии. Закончена в тот же год, что и книга Альбера Глеза «О кубизме» в соавторстве с Жаном Метценже. Выставлена в «Осеннем салоне» в Париже в 1912 году, и на «Арсенальной выставке» в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне в 1913 году.

В то же время салонные кубисты строили свою репутацию, прежде всего, регулярно выставляясь на «Осеннем салоне» и «Салоне независимых», основных неакадемических салонах в Париже. Они неизбежно были более осведомлены об отзывах общественности и необходимости общения. Уже в 1910 году начала формироваться группа, которая включала Метценже, Глеза, Делоне и Леже. Они регулярно встречались в мастерской Анри Ле Фоконье возле Бульвара де Монпарнас. Эти вечера часто посещали такие писатели, как Гийом Аполлинер и Андре Сальмон. Вместе с другими молодыми художниками, группа хотела сосредоточить исследование на форме, в противовес к неоимпрессионистам, которые акцентировались на цвете...

Луи Воксель, в своем обзоре 26-го «Салона независимых» (1910), мимолётно и неопределённо упомянул Метценже, Глеза, Делоне, Леже и Ле Фоконье как «невежественных геометров, уменьшивших человеческое тело до бледных кубов». На «Осеннем салоне» 1910 года, несколько месяцев спустя, Метценже выставил крайне изломанную «Обнаженную» (Nu à la cheminée), которая впоследствии была воспроизведена в книге Аполлинера «Художники-кубисты: Размышления об искусстве» (1913).

Первое общественное противоречие, порождённое кубизмом, возникло в результате салонных выставок на «Независимых» весной 1911 года. Этот показ Метценже, Глеза, Делоне, Ле Фоконье и Леже впервые привлёк внимание к кубизму широкой общественности. Среди представленных кубистских работ Робер Делоне выставил «Эйфелевую башню» (Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк).

На «Осеннем салоне» того же года, в дополнение к группе независимых художников «Залл 41» были выставлены произведения Андре Лота, Марсел Дюшана, Жака Вийона, Роже де ла Френе, Андре Дюнуайе де Сегонзака и Франтишека Купки. Рецензия на выставку вышла 8 октября 1911 года в Нью-Йорк Таймс. Эта статья была опубликована через год после «Диких мужчины Парижа» Гелетта Берджесса, и за два года до Арсенальной выставки, которая привела в изумление американцев, привыкших к реалистическому искусству, а также к экспериментальным стилям европейского авангарда, в том числе фовизму, кубизму и футуризму. Статья Нью-Йорк Таймс 1911 года иллюстрировала произведения Пикассо, Матисса, Дерена, Метценже и других художников написанные до 1909 года; не выставленные в «Салоне» 1911 года. Она называлась «Кубисты доминирую на «Осеннем салоне» в Париже» и подзаголовок «Эксцентричная школа живописи увеличивает свою популярность на текущей выставке искусства - что её последователи пытаются сделать».

Последующий «Салон независимых» 1912 года был отмечен презентацией картины Марселя Дюшана «Обнажённая, спускающаяся по лестнице № 2», которая вызвала скандал, даже среди кубистов. В действительности её отклонил выставочный комитет, включавший его братьев и других кубистов. Однако работа была показана в «Салоне Золотого сечения» в октябре 1912 года и на Арсенальной выставке 1913 года в Нью-Йорке, Дюшан никогда не простил своих братьев и бывших коллег за цензуру его работы. Хуан Грис, новое приобретение салонного общества, выставил «Портрет Пикассо» (Чикагский институт искусств), в то время как две выставки Метценже включали «Женщину с лошадью» (La Femme au Cheval) 1911-1912 год (Национальная галерея Дании). На выставке также представили монументальный «Город Париж» Делоне (Музей современного искусства, Париж) и «Свадьбу» Леже (Государственный музей современного искусства, Париж).

Вклад кубизма в «Осенний салон» 1912 года, создал скандал относительно использования государственных зданий, например Большого дворца, для выставки таких работ. Возмущённый политик Жан-Пьер Филипп Лампье попал на первую страницу Le Journal 5 октября 1912 года. Спор распространился в муниципальный совет Парижа, что привело к дискуссии в палате депутатов об использовании государственных средств для обеспечения места для подобного рода искусства. Кубистов защитил депутат-социалист Марсель Самба.

Именно на этом фоне общественного гнева, Жан Метценже и Альбер Глез написали «О кубизме» (опубликован Эженом Фигье в 1912 году, переведён на английский и русский язык в 1913 году). Среди показанных работ были: крупное произведение Ле Фоконье «Les Montagnards attaqués par des ours» («Медведи нападают на альпинистов»), в настоящее время находится в Музее Школы дизайна Род-Айленда, «Две женщины» Йожефа Чаки (скульптура ныне утеряна), наряду с высоко абстрактной картиной Купки «Аморфа» (Национальная галерея, Прага), и «Весной» Пикабии (Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Абстракция и реди-мэйд

Наиболее крайними формами кубизма были не те, которые практиковал Пикассо и Брак, сопротивлявшиеся полной абстракции, а другие кубисты, особенно Франтишек Купка, и те, которых Аполлинер относил к орфистам (Делоне, Леже, Пикабиа и Дюшан), принимая абстракцию, они полностью удаляли видимый предмет изображения. Два экспоната Купки на «Осеннем салоне» 1912 года, «Аморфа. Двухцветная фуга» и «Аморфа. Хроматический жар», были крайне абстрактными (или нерепрезентативными) и метафизически ориентированными. Дюшан в 1912 году и Пикабиа в 1912-1914 годах развили экспрессивную и символическую абстракцию, посвященную сложным эмоциональным и сексуальным темам.

Робер Делоне Simultaneous Windows on the City («Одновременные окна в городе»), 1912, 46 x 40 см, Гамбургский кунстхалле, пример абстрактного кубизма, фото: Общественное достояние

Начиная с 1912 года Делоне нарисовал серию картин «Одновременная окна», которая последовала за «Округлыми формами», и в которой он соединил плоские структуры с яркими призматическими оттенками; основываясь на оптических характеристиках сочетаемых цветов, его отход от реальности в изображении образов был почти полным. В 1913-1914 годах Леже создал серию под названием «Контрасты форм», делая подобное ударение на цвет, линии и формы. Его кубизм, несмотря абстрактность, был связан с темами механизации и современной жизни. Аполлинер поддержал эти ранние достижения абстрактного кубизма в «Художниках-кубистах» (1913), написав о новой «чистой» живописи, в которой предмет изображения был освобождён. Но несмотря на его использование термина орфизм эти произведения были настолько разными, что бросали вызов попыткам поместить их в одну категорию.

Вдохновлённый кубизмом Марсель Дюшан, которого Аполлинер отнёс к орфистам, также отвечал за другое экстремальное течение. Реди-мейд возник в результате единого мнения, что работа сама по себе считается экспонатом (так же, как и картина), и что она использует материальные осколки этого мира (как коллаж и папье-колле в кубистических конструкциях ассамбляже). Следующим логическим шагом для Дюшана стал показ обычного объекта как самостоятельного произведения искусства, которое представляет только себя. В 1913 году он прикрепил велосипедное колесо к кухонной табуретке, а в 1914 году выбрал сушилку для бутылок в качестве отдельной скульптуры.

Золотое сечение

«Золотое сечение», также известное как группа Пюто, основанное наиболее выдающимися кубистами, было объединением художников, скульпторов и критиков, которые ассоциировались с кубизмом и орфизмом, активны примерно в 1911-1914 годах, и получившие известность после дискуссионной выставки «Салон независимых» 1911 года. «Салон Золотого сечения» в галерее «La Boetie» в Париже в октябре 1912 года, был, возможно, самой важной выставкой кубизма перед Первой мировой войной; демонстрируя кубизм широкой аудитории. Представленные на выставке более 200 работ, и тот факт, что многие из художников показали развитие своих произведений с 1909 по 1912 год, придало ей очарование ретроспективы кубизма.

Судя по всему, группа приняла название «Золотое сечение», чтобы выделить себя из узкого определения кубизма, которое параллельно развивали Пабло Пикассо и Жорж Брака на Монмартре, и показать, что кубизм, больше не изолированный вид искусства, а представляет собой продолжение великой традиции (на самом деле, золотое сечение очаровало западных интеллектуалов различных кругов, по крайней мере, на 2400 лет).

«Осенний салон» 1912 года проходил в Париже в Большом дворце с 1 октября по 8 ноября. Скульптура Йожеф Чаки Groupe de femmes («Группа женщин») 1911-1912 гг. выставлена ​​слева, впереди двух скульптур Амедео Модильяни. Другие работы художников Золотого сечения представлены слева направо: Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Жан Метценже и Анри Ле Фоконье.

Идея о «Золотом сечении» возникла в ходе беседы между Метценже, Глезом и Жаком Вийоном. Название группы предложил Вийон, после прочтения в 1910 году перевода Жозефа Пеладана рукописей Леонардо да Винчи под названием «Трактат о живописи» (Codex Urbinas).

Тот факт, что выставка 1912 года организовывалась, чтобы показать последовательные этапы, через которые прошёл кубизм, и то, что трактат «О кубизме» был опубликован по данному случаю, указывает на стремление художников сделать их творчество понятным для широкой аудитории (арт-критиков, коллекционеров, арт-дилеров и широкой общественности). Несомненно, благодаря большому успеху выставки, кубизм признали тенденцией, жанром или стилем в искусстве с конкретной общей философией или целю: новым авангардным направлением.

Стремления и интерпретации

Кубизм Пикассо, Брака и Гриса имел не просто техническое или формальное значение, а различные взгляды и намерения салонным кубистов, создававших различные виды кубизма, а не производные их творчества. Кристофер Грин писал: «В любом случае, совершенно не понятно, до какой степени эти кубисты зависят от Пикассо и Брака в развитии таких методов, как огранка, «переход» и множественная перспектива; они вполне могли прийти к такой практике с незначительным знанием о «истинном» кубизме, находясь на ранних стадиях, и руководствуясь, прежде всего, своим пониманием Сезанна». Работы, которые эти кубисты выставляли в «Салоне» в 1911 и 1912 годах, выходили за рамки обычных для Сезанна тем - позирующих моделей, натюрмортов и пейзажей - которые предпочитали Пикассо и Брак, и включали масштабные темы современной жизни. Направленные на широкую общественность, эти произведения подчёркивали использование нескольких перспектив и сложных плоских огранок для достижения выразительного эффекта, сохраняя при этом красноречивость сюжетов, наделенных литературным и философским значением...

Хуан Грис «Портрет Пикассо», 1912, холст, масло, Чикагский институт искусств, фото: Общественное достояние

В трактате «О кубизме» Метценже и Глез напрямую связали чувство времени с множественной перспективой, давая символическое выражение понятию «продолжительности», предложенное философом Анри Бергсоном, согласно которому жизнь субъективно воспринимается как сплошная с перетеканием прошлого в настоящее и настоящего в будущее. Салонные кубисты использовали граненную обработку твёрдых предметов и пространства и эффект нескольких точек видения, чтобы передать физическое и психологическое чувство текучести сознания, размывание различий между прошлым, настоящим и будущим. Одна из главных теоретических инноваций, которую создали салонные кубисты, независимо от Пикассо и Брака, совпадала с «одновременностью», приближаясь в большей или меньшей степени к теориям Анри Пуанкаре, Эрнста Маха, Чарльз Генри, Мориса Принстона, и Анри Бергсона. С одновременностью, концепция отдельных пространственных и временных измерений полностью подверглась сомнению. Линейную перспективу, разработанную в эпоху Возрождения, упразднили. Предмет изображения больше не рассматривался с определенной точки видения в конкретный момент времени, а строился, следуя за набором точек видения, т. е., как будто смотрели одновременно с многочисленных углов (и в нескольких измерениях) взглядом свободно перемещающимся от одного к другому.

Этот техника, представляющая одновременность и различные точки видения (или сложное движение) дала толчок в высокой степени сложному монументальному произведению Глеза Le Dépiquage des Moissons («Молотьба урожая»), выставленному в «Салоне Золотого сечения» в 1912 году, «Изобилию» Ле Фоконье, показанному в «Независимых» в 1911 года, и «Городу Париж» Делоне, показанному на «Независимых» в 1912 году. Эти масштабные работы являются одними из крупнейших картин в истории кубизма. «Свадьба» Леже, также выставленная в «Салоне независимых» в 1912 году, придала форму понятию одновременности, представляя различные мотивы как происходящие в одном временном отрезке, где реакция на прошлое и настоящее сочетается с коллективными силами. Совместно такого предмета с одновременности выравнивает салон кубизма с ранних картин футурист, Умберто Боччони, Джино Северини и Карло Карра; непосредственно сделанный в ответ на ранний кубизм.

Кубизм и современное европейское искусство были введены в США на легендарной «Арсенальной выставке» 1913 года в Нью-Йорке, которая затем отправилась в Чикаго и Бостон. На «Арсенальной выставке» Пабло Пикассо выставил «Женщину с горчичницей» (1910), скульптуру «Голова женщины (Фернанда)» (1909-1910), «Два дерева» (1907) среди других кубистских работ. Жак Вийон представил семь важных и крупных гравюр, выполненных в технике «сухой» иглы, его брат Марсель Дюшан шокировал американскую публику картиной «Обнажённая, спускающаяся по лестнице № 2» (1912). Франсис Пикабиа показал абстракции «Танец весной» и «Шествие, Севилья» (обе 1912 года). Альбер Глез выставил «Женщину с флоксами» (1910) и «Человека на балконе» (1912), две высоко стилизованные и гранённые работы в стиле кубизм. Примеры своих кубистических работ также внесли Жорж Брак, Фернан Леже, Раймон Дюшан-Вийон, Роже де ла Френе и Александр Архипенко...

Кубистская скульптура

Так же, как и в живописи, кубистская скульптура уходит корнями в уменьшение Полем Сезанном нарисованных объектов до составных плоскостей и геометрических тел (кубов, сфер, цилиндров и конусов). И точно также как и в живописи, она стала всепроникающим влиянием и существенно посодействовала конструктивизму и футуризму.

Кубистская скульптура развивались параллельно с кубизмом в живописи. Осенью 1909 года Пикассо создал «Голову женщины (Фернанду)» с положительными чертами при помощи негативного и положительного пространства. По утверждению Дугласа Купера: «Первой настоящей кубистской скульптурой была впечатляющая «Голова женщины» Пикассо, смоделирована в 1909-1910 годах, эквивалент в трёх измерениях для многих подобных аналитических и граненых голов в его картинах того времени». Эти положительные/отрицательные изменения честолюбиво использовал Александра Архипенко в 1912-1913 годах, например в «Идущей женщине». После Архипенко, Йожеф Чаки был первым скульптором в Париже, присоединившимся к кубистам, с которыми он выставлял свои работы с 1911 года. За ними последовали Раймон Дюшан-Вийон, а затем в 1914 году Жак Липшиц, Анри Лоран и Осип Цадкин.

Действительно, кубистское построение было настолько же влиятельным, как и любая художественная инновация в стиле кубизм. Оно стало толчком на фоне прото-конструктивистских работ Наума Габо и Владимира Татлина и, таким образом, отправной точкой для всего конструктивного направления в модернистской скульптуре 20-го века.

«Чистый» кубизм

1914-1918

Значительное изменение кубизма в 1914-1916 годах свидетельствовало об особом внимании к большим перекрывающим геометрическим плоскостям и активности плоской поверхности. Подобное группирование стилей живописи и скульптуры, особенно значительное в 1917-1920 годах, практиковали несколько художников; особенно те, кто был связан договором с арт-дилером и коллекционером Леонсом Розенбергом. Сжимание композиций, чистота и чувство порядка отражаемого в этих работах, привело к тому, что критик Морис Рейнал назвал его «чистым» кубизмом. Вопросы, которые волновали кубисты до начала Первой мировой войны, такие как четвертое измерение, динамизм современной жизни, оккультизм, и концепция длительности Анри Бергсона, теперь упразднились, сменившись чистой формальной системой взглядов.

название работы этого периода

«Чистый» кубизм и его ассоциативный rappel à l'ordre (призыв к порядку), были связаны с побуждением - тех, кто служил в вооруженных силах и тех, кто остался в гражданском секторе - чтобы избежать реальности Первой мировой войны, во время и непосредственно после конфликта. Во французском обществе и культуре «очищение» кубизма с 1914 года до середины 1920-х годов, с его сплоченным единством и добровольными ограничениями, соединилось с гораздо более широкой идеологической трансформацией в сторону консерватизма.

Кубизм после 1918 года

До 1914 года был наиболее инновационный период кубизма. После Первой мировой войны, благодаря поддержке, которую предоставил дилер Леонс Розенберг, кубизм у художников снова стал на первое место и оставался там до середины 1920-х годов, пока его авангардный статус не начал вызывать сомнения из-за появления в Париже геометрической абстракции и сюрреализма. Многие кубисты, включая Пикассо, Брака, Гриса, Леже, Глеза и Метценже развивали другие стили, периодически возвращаясь к кубизму, даже после 1925 года.

Кубизм вновь появился в 1920-х и 1930-х годах в творчестве американца Стюарта Дэвиса и англичанина Бена Николсона. Однако во Франции кубизм переживал спад, начиная приблизительно с 1925 года. Леонс Розенберг выставлял не только художников, оставленных Канвейлером в изгнании, но других: Лоренса, Липшица, Метценже, Глеза, Чаки, Эрбена и Северини. В 1918 году Розенберг представил серию выставок кубизма на своей галерее «L'Effort Moderne» («Современное усилие») в Париже. Луи Восель предпринимал попытки утверждать, что кубизм мёртв, но эти выставки, наряду с хорошо организованной кубистической выставкой «Салона независимых» в 1920 году и возрождение «Салона Золотого сечения» в том же году, показали, что он всё ещё жив.

Возрождение кубизма совпало с появлением примерно в 1917-1924 годах теоретических письменным трудов Пьера Реверди, Мориса Рейналя и Даниэль-Анри Канвейлера, иа среди художников Гриса, Леже и Глеза. Периодический возврат к классицизму - фигуративное творчество, либо исключительно, либо наряду с кубизмом - с которым сталкивались многие художники в течение этого периода (так называемого неоклассицизма) был связан с тенденцией уклона от реалий войны, а также культурным преобладанием образа классической или латинской Франции во время и сразу после войны. Кубизм, после 1918 года во французском обществе и культуре можно рассматривать как часть широкого идеологического сдвига в сторону консерватизма. Тем не менее, сам кубизм развивался, как в творчестве отдельных художников, таких как Грис и Метценже, так и в работах художников, которые отличались друг от друга: Брак, Леже и Глез. Кубизм, как публично обсуждаемое направление, стал относительно единым и открытым для определения. Его теоретическая чистота сделала его эталоном, с которым можно было бы сравнить такие разные тенденции, как реализм или натурализм, дадаизм, сюрреализм и абстракция.

Кубизм в других областях

Влияние кубизма распространялось на другие области искусства, за пределами живописи и скульптуры. В литературе, в произведениях Гертруды Стайн повторения и повторяющиеся фразы использовались как строительные блоки в отрывках и целых главах. Эта техника применяется в большинстве важных работ писательницы, включая роман «Становление американцев» (1906-1908). Будучи не только первыми значительными покровителями кубизма, Гертруда Стайн и её брат Лео также оказали большое влияние на кубизм. В свою очередь Пикассо сильно повлиял на литературное творчество Стайн.

В области американской фантастики, роман Уильяма Фолкнера «Когда я умирала» (1930) можно истолковать как взаимодействие с кубистическим методом. Роман содержит рассказы разнообразных переживаний 15 персонажей, которые, собранные вместе, создают единый сюжет.

К поэтам, которые обычно ассоциируются с кубизмом, относятся: Гийом Аполлинер, Блез Сандрар, Жан Кокто, Макс Жакоб, Андре Сальмон и Пьер Реверди. Как американский поэт, Кеннет Рексрот объясняет, что кубизм в поэзии «является сознательной, преднамеренной диссоциацией и рекомбинацией элементов в новую художественную организацию, которая стала независимой благодаря строгой архитектуре. Это весьма отличается от свободного общества сюрреалистов и объединения бессознательного высказывания и политического нигилизма дадаистов». Тем не менее, влияние поэтов-кубистов на кубизм и более поздние направления дадаизм и сюрреализм было глубоким; Луи Арагон, один из основателей сюрреализма, говорил, что для Бретона, Супо, Элюар и его самого, Реверди был «нашим ближайшим старшим, образцовым поэтом». Хотя этих поэтов не так хорошо помнят как художников-кубистов, они продолжают влиять и вдохновлять; американские поэты Джон Эшбери и Рон Паджетт недавно создали новые переводы работ Реверди. Автор книги «Тринадцать способов увидеть дрозда» Уоллес Стивенс также сказал, что демонстрирует то, как множественную перспективу кубизма можно перевести в поэзию.

«Почти невозможно переоценить важность кубизма. Он произвёл настолько большую революцию в изобразительном искусстве, какая была в эпоху раннего Возрождения. Его влияние на более позднее искусство, на фильмы и архитектуру уже так велико, что мы с трудом замечаем его». (Джон Бергер)

UP

Алина   Активность: 766  Ноябрь 18, 2019

Как всегда - интересно. Люблю узнавать новую информацию. Спасибо.   1

Вход/Регистрация - Присоединяйтесь! Ваше имя:

Комментарий:

Введите код, который Вы видите на картинке выше (чувствителен к регистру). Для обновления изображения нажмите на него.

• Романтизм - лучшие картины и художники стиля
• Академизм - определение стиля и его художники
• Как художники изображали азартные игры на своих полотнах
• Цвета стиля дзен в декорировании помещений
• Кубизм копия