ГлавнаяО проектеГалерея картинЖивописьКопии картинРоспись стендизайн интерьераВход
Профиль участника
nia1977
Дата регистрации: 23.03.2016 Последний вход: 22.03.2017 13:34:59
Группа: Пользователи Комментариев: 176
статус: частное лицо Добавлено статей: 1
Страна: Картины (фото): 0
Город: Просмотров страницы: 472
Телефон:
Сайт:
Статус Email Email ещё не проверен
Информация:
Последняя активность
Последние статьи [1-15/1]
Последние комментарии [1-15/176]
Передо мной работа Макарта «Триумф Ариадны». Оговорюсь сразу, - полотно довольно сложное для восприятия, излучает особую тяжелую энергетику. В основе сюжета лежит миф об Ариадне, которая помогла Тесею выбраться из лабиринта с помощью клубка нити, но в результате он покинул ее спящей на острове. На помощь девушке пришел Бахус, который метнул в небеса ее корону или венец до звезд, превратив Ариадну в созвездие.
Интересная история, но работа еще интересней. Она довольно подробно написана, вкрапила многообразие образов, часть пейзажа с водой, причем главная героиня Ариадна расположена слева от центра (с венцом в руках) и та женщина, что подняла к небу жезл – вовсе не основной персонаж. Хотя по началу, я приняла ее за Ариадну.
Работа несколько мрачная, хотя здесь присутствует многоцветие, яркие краски, но вот общее впечатление остается грустным.
Меня привлекла манера автора «играть» с телами персонажей, их позами, взаимодействием друг с другом. Это интересно. Каждая пара людей имеет свой характер, незримое настроение и темперамент. Благодаря охристым краскам тела, словно золотые статуи, горят и переливаются.
Красивая сказка в хорошем исполнении. Не верится, что работе уже более ста лет.
«Победа света над тьмой» - работа австрийского академиста Ханса Макарта. Полотно имеет средний масштаб, квадратную форму. В него вписан сюжет довольно банальный с точки зрения идеи, которая не нова. Вечная борьба добра и зла, света и тьмы легла в основу картин и литературы многих авторов.
С творчеством Макарта я мало знакома. Судя по представленной работе, этот автор врятли попадет в число моих любимых художников. Мне не импонирует ни манера письма, ни тематика. Вообще, не люблю сложные сюжеты с особым смыслом. Чем проще замысел, тем интересным и радостным мне кажется полотно.
Могу оценить лишь качество письма со своей точки зрения. Письмо у Макарта сухое, свойственно всем академистам. Оно основано на контрасте света и тени, что заставляет изображение светиться золотыми лучами. Люди и Боги представлены скорее схематично и несколько напоминают по способу отображения манеру художников советской послевоенной эпохи. На мой взгляд в картине мало изящества, хотя задумка интересна свой фантазийностью
Холст Васнецова «Спящая Царевна» - яркая иллюстрация сказки о семи богатырях. Полотно имеет небольшой размер и представлено вытянутым горизонтально прямоугольником. Несмотря на такой масштаб, автор работы органично объединил в сюжете разнообразие деталей и персонажей.
Способ выражения напоминает старинный лубок с его яркими красками, контрастом, четким абрисом деталей. Васнецов объединил здесь и архитектуру, и кусочек пейзажа с тенистым хвойным лесом, и перспективу убегающего вдаль двора.
Настроение сюжета сонное, и это понятно – все соответствует сказке. При этом краски источают радость, будят интерес к картинке, словно в детстве.
Васнецов уделил внимание убранству нарядов и Царицы, и челяди. Тщательная прорисовка доподлинно передает особенности русского костюма, вышивки, россыпи камней. Здесь же присутствует расписной дом-замок, резные стены арки, где покоится спящая девица.
Мне очень нравится картина. Хочется перечитать сказку в который раз.
Работа Васнецова Виктора михайловича «Ковер-Самолет» вошла в серию сказочных полотен по мотивам русских фантастических сказаний. Она написана в 1880 году на полотне большого масштаба. Ее размеры создают эффект неизгладимый, и заставляют воспринимать работу более масштабно и реалистично.
Картина была закончена к открытию Донецких железнодорожных путей. Все движется, все любит комфорт. Вот и сказочный герой – Иван-Царевич – не отстает от инноваций своего времени, летя на ковре. Он везет ценный груз. Это Жар-птица, огненная, горящая, как сто свечей. Она освещает зеленый сумрак, олицетворяет собой все то тепло, которое связывают со словом «свет» или «Солнце».
Под «крылом» ковра раскинулся сказочный пейзаж. Он задает вечернее настроение картине с ее белесым небом, мрачными просторами и зеркалом реки.
Иван совершает полет не один. Его сопровождают ночные стражи – совы. Крылья птиц плавно скользят по воздуху, позволяя парить недалеко от ковра.
Кажется, словно попал в сказку, настолько красиво это полотно, настолько оно убедительно своим волшебством. Жаль, что экран не передает всей красоты живописи Васнецова и масштаба его работы.
И снова Дали с его замудреной картиной. Название работы не менее сложное, чем повествование. Несчастный геолог потерялся в пустыне и маячит на дальнем плане у тени, что отбрасывает большой камень. Ровное пространство гладкоеё, как натянутая простыня. Оно чадит нестерпимым жаром пустынного песка. Все высохло, все умирает. Несчастный белый конь тащит уже истлевшие тела, они оставили лишь черепа, такие желтые, гладкие, жалкие.
Одинокий путник ищет что-то здесь, но кроме прохладных длинных теней пустынных камней здесь нет ничего. Хотя, вот оно – слиток у ног скакуна. Такой рыжий, такой манящий, он похож на кусок запеченного желтка глазуньи – тронь и лопнет.
Техника Дали сухая нежирная гладкая. Краска втерта в переплетение нитей с усилием и навсегда. А палитра, как и положено пустынным краскам, теплая, с ржавыми проблесками и зеленью патины.
«Растительное превращение» - сюрреализм Сальвадора Дали. Не знаю, как вы, но мною автор угадывается легко и всегда. Манера письма Дали настолько своеобразна, а сюжеты столь лаконично-ненормальные, что точно понимаешь – это Сальвадор не иначе.
Картина с превращением образов – не новинка. В арсенале художника немало работ с разными метаморфозами, рождениями предметов одного из другого, по принципу калейдоскопа, сотканных из мелких карпускулов крупных деталей и т.д.
В представленной картине много пространства. Оно просто бесконечно, несмотря на то, что где-то маячит горизонт. Такое впечатление, что Дали специально опустил белого коня вниз полотна, дабы оставить как можно больше места просторным плоскостям. Они захватывают в свою область все живое и подвижное, заставляя оставаться здесь и сейчас, превращая в растения, ростки, поросль.
Бледное полотно с холодной палитрой увлекает взор свою перспективу. Вытягивает из пальца суть, заставляет думать о самой идее, но идей нет. Скорее всего, работа говорит о бренности всего живого, что когда-нибудь города станут пустыней, а люди порастут белой седой травой.
Очередной автопортрет. Странный. Мрачный. Самовыражение автора – Ван Гога – просто не знает границ. Что я вижу? Безусловно, это живописец с его рыжей шевелюрой и желтизной кожи, серыми глазами в глубоких глазницах, но подача самого себя более чем странная. Словно иглы дикобразами усыпали кожу человека, они черные, рыжие, длинные…
Угрюмый образ исцарапан тигриными бороздами и не знаешь, что думать. Попробую заглянуть в биографию. Период написания работы совпадает с переездом художника на юг Франции. Тогда он решил отойти от импрессионизма, пытаясь найти новые способы самовыражения.
В 1888 году Ван Гог пытается импровизировать с цветом и техникой живописи. Он пишет то радужные пейзажи, то совершенно темные и страшные картины. Можно предположить, что представленный автопортрет – это очередная игра живописца, поиск самого себя и собственного стиля.
Автопортрет призван выражать собственное восприятие автора своего мира и образа. Думаю, что Ван Гог не любил себя, по крайней мере, видел себя печальным, мрачным, одиноким. Поэтому его исцарапанный портрет имеет сумрачную палитру, наполненную тенями и полутонами без солнца, без радости.
Автопортретов у Ван Гога много. Все они имеют свое настроение, характер письма и энергетику. В частности, эта потрет автора написан в отличном настроении. По крайней мере, краски здесь чистые, письмо не забито многочисленными перекрытиями. Взгляд Ван Гога угрюм, конечно, но это можно списать на сосредоточенность и серьезный подход к самовыражению.
Техника письма Ван Гога трудно уловима по той причине, что ей здесь просто нет, так как краски словно залиты сплошным пятном. Исключение составляет мелкая прорисовка деталей, например бабочки и глаз художника, а еще канта по лацканам.
Хочу отметить удачное вкрапление голубой лазури в одежду, она оживила пасмурные краски. Палитра, вообще, выбрана несколько мрачной. Кстати, почти все автопортреты написаны Ван Гогом в такой хмурости. Не знаю, с чем это связано, не уже ли он был таким печальным человеком? Биографы отмечают его неустроенность в обществе, поиск любви и находку постоянно «не тех» объектов для выражения чувств.
Это к слову.
Техника «пуантилизм» - довольно редкое явление в мире живописи. Она основана на точечном отрывистом нанесении краски на холст или бумагу. Занятие, надо сказать, долгое, напряженное и сложное. Предложенное на ваш суд полотно «Интерьер ресторана» принадлежит Ван Гогу – импрессионисту, характер письма которого зависел напрямую от его настроения. Эта работа выполнена в вышеупомянутой технике нанесения точек краски.
Сам сюжет прост до неприличия. В прямоугольник четко вписаны плоскости стены и пола помещения общественного питании, расставлены столики и стулья, повешены картины. Вертикальную плоскость делит угол стыка стен. Его перекрывает трехрожковая люстра. Совершенно по-детски заурядное повествование, раскрывающее настроение Ван Гога творить обычные вещи без затей.
Именно такие работы принимает покупатель и зритель. Идея «Ресторана» не требует глубокого анализа и догадок, что же хотел сказать нам автор своим произведением?
Такое полотно следует смотреть с большего расстояния, тогда точки-мазки соединяются в единое целое и картинка начинает проявляться.
Что хочется добавить. Работа теплая по идее, домашняя и настоящая. Нравится, конечно, как и палитра, как и точки-штрихи, как и все, что писал Ван Гог.
Ван Гог, как же он непредсказуем в своей импрессии цвета и настроении. Я вижу оригинальное полотно с интерьером ресторана. Мне он напоминает, скорее всего, советскую столовую № 1. Эти столики с белыми скатертями и снующая среди них, как каравелла по волнам, официантка. Первый план украшен традиционным набором – бутылки со стаканом и легкая закуска из фруктов. Неубранность говорит о занятости женщины – работницы ресторана.
Столики украшены живым цветами, а стулья настолько потерты, что хочется сдать их в утиль. При всем при этом, Ван Гог создал очень позитивную работу. В ней много радостных оттенков и контрастных сочетаний. Автор использовал чистые цвета. Это белый с его бесцветием, охра, зелень. Письмо Ван Гога нервное, оно отражает его настрой. Несколько раз перекрыты некоторые плоскости, мазки хаотичные то вертикально, то горизонтально. Словно художник пытался перекроить то, что написал вчера.
Палитра отдана на власть теплым оттенкам. Масло легло сухо, что вторит самому сюжету – простому, традиционно-знакомому, понятному. Мне нравится это полотно, точно. А вам?
И еще, обратите внимание на компоновку планов, они словно слои пирога – начиная с самого первого крупного, раз за разом художник подобрался к главному дальнему плану с героями картины.
Римские термы – закрытое для посторонних глаз место стало основой сюжета картины Альма-Тадема «Любимый отдых». Обратите внимание на то, как сложно устроен интерьер. Мраморные залы отличаются великолепием и архитектурой, достаточно незаурядной. Купель имеет овальную сложную форму, каждая ступень, что ведет к прозрачной воде, прописана дотошно, даже каждое вкрапление коричневой мозаики на полу не осталось без внимания художника. В работе много света и прозрачных светлых красок, что свойственно творчеству Лоуренса Альма-Тадема. Палитра настолько радостная, что слепит глаза. Кажется, что источник света в залах расположен где-то сверху, поэтому помещение обильно залито лучами и белыми бликами.
Живописец изобразил жанровую картину со сценой купания римских красавиц высшего сословия. Каждой героине он уделил отдельное внимание и наделил своей мимикой, характерными чертами и убранством волос. Двое из них обнажены, их белые тела погружены в прозрачную воду, она преломляет изображение их фигур, но не наделяет уродством, а скрывает прекрасные изгибы словно вуаль.
Среди молодых римлянок есть мамы, купающие своих малышей. Это так трогательно, учитывая то, что автор полотна – мужчина. Он наделил работу особой теплотой и нежностью, какой-то заботой и чистотой в буквальном и переносном смысле.
В монотонной палитре Альма-Тадема выделил отдельными пятнами входные двери в термы и букет лиловых цветов. Растения оживили молочный колорит, обозначили радостные летние ноты и, наверное, особое благоухание в теплых залах купален.
Светлое и масштабное по сюжету полотно «После аудиенции» принадлежит Лоуренсу Альма-Тадема, британскому автору и мастеру исторической живописи, а также картин бытового жанра.
Эта работа привлекает меня светом и обилием воздуха, царящих в мраморных залах знати Римской эпохи. Повествование обращено к моменту официального приема челяди, своих подданных и приближенных верховным лицом (монархом). Все, кто пришли на прием к господину, покорны и молчаливы. Кто-то склонил головы в поклоне, кто-то просто наблюдает за восхождением главного лица по белым ступеням. Толпа людей ожидает его в верхнем зале у арки.
Обращает на себя внимание убранство зала и его сложная архитектура. Чего только стоит изображение мраморной статуи! Холодный камень получился реалистичным и по-настоящему прохладным, настолько точно передана его фактура и цвет. В работе много белых оттенков – серо-голубых, грязных, с желтизной. А также вкраплены кроваво-красные пятна людей в ярких мантиях. Это оживляет полотно, наделяет его выгодным контрастом сочных и бледных оттенков.
Работа не большая по размеру. Это факт, но то, насколько точно вписаны в площадь холста и интерьер, и все персонажи, - дань таланту Лоуренса. Он передал напряжение в толпе, звенящую тишину молчания, блестящую чистоту помещений – очень точно и доподлинно. Потрясающее исполнение.
Былинно-историческое направление в творчестве Виктора Михайловича Васнецова занимает почти десятилетие, начиная с 1880 года. В 1881 году коллекция данного направления была пополнена картиной «Бой скифов со славянами», она, как раз, представлена здесь.
Это масштабная работа, написанная с особым размахом, и повествует о сражении скифов, со славянами, которые при всем желании, ну, никак не могли встретиться в реальной жизни по той причине, что скифские племена жили за много веков до появления славян. Этой неточностью можно пренебречь, ведь Васнецов, как творец сказочных работ, имеет право на собственные истории, пусть выдуманные, но такие занятные. Тот факт, что скифы обитали задолго до славян, не был известен в XIX веке. А прообразом скифских войнов для художника стали племена кочевников степи, которые на самом деле нападали периодически на владения славян.
Васнецов наделил свою картину особой динамикой. Здесь запечатлена схватка русича на вороном коне с врагом, конь которого имеет золотистый цвет. Бой в разгаре. Взмах русского витязя булавой, кони соперников на дыбах, копья целятся в славянского война, на помощь к врагу летят его сородичи, сухая трава, похожая на осоку, путается в ногах скакунов…Все переплетено и взаимосвязано.
Приднепровские земли пустынны, земля сухая, как черствый хлеб, покрыта желтой пылью. Она вздымается от бега вверх, превращаясь в легкую пыль. Васнецов прибегает к различным приемам живописи, чтобы передать накал страстей и неистовство боя. При этом палитра картины выбрана автором спокойная, скупая на контрасты, теплая, но сухая по сути.
Работа «Бой скифов со славянами» хранится в Русском Музее в Санкт-Петербурге (38 зал). Ее сюжет поражает, это правда.
Представленное полотно «Витязь на распутье» - картина В.М. Васнецова, история создания которой исчисляется десятилетием. И это так. Начиная с 1870 года, работа претерпевала изменения. На шестой выставке художников-передвижников был представлен первый ее вариант, а к 1882 году «Витязь» приобрел окончательный формат, и был преподнесен в подарок Савве Мамонтову – меценату и покровителю живописи в России XIX века.
Работа вошла в коллекцию былинных полотен. Несмотря на то, что картина обращается к сказке, ее сюжет достаточно мрачен и задумчиво-горек. Вечная дилемма выбора единственно правильного решения заключена в этом сером камне с надписями» «Как пряму ехати – живу не бывати – нет пути ни прохожему, ни проезжему, ни пролетному».
Строки с правом выбора и предостережениями претерпевали несколько метаморфоз. В итоге Васнецов остановился на единственном решении: «Прямо пойдешь – живым не бывать!».
И, кажется, будто все застыло в ожидании: и природа вокруг, и молчаливый конь, и воздух стал стеклянным. Тишину нарушают крылья ворона, парящего над белыми костями убитых войнов.
Витязь сидит на боевом друге - белогривом скакуне, - спиной к зрителю. Мы, словно вслед ему, выстроились в очередь у камня на распутье. Интересно, что в процессе рождения картины, Васнецов долго «играл» с ракурсом всадника, располагая его и лицом к зрителю, и спиной. В итоге, мы видим едва заметный профиль, поникшие от усталости плечи витязя и загнанного скакуна.
Мне нравится спокойное течение сюжета и та палитра, что имеет вкрапления малахитовой зелени растений и одежды бойца. Красная полоса копья разбавляет полутона серой краски. Желтизна неба перекликается с сиренью туч. Солнце заходит…
Многие критики усматривают неточности в изображении боевых доспехов война. В частности, это касается якобы пригодного лишь для пеших войнов копья – «отделка нижней части древка неудобна для всадника…». Но это не помешало с фотографической точностью написать остальное облачение былинного солдата. Для незнающих таких нюансов, как древко, или другое оружие средневековья, все кажется настоящим и правильным. Как мне, например.
Светлое полотно, пропитанное ароматом цветения, весной, лазурными красками принадлежит британскому живописцу Лоуренсу Альма-Тадема. Название работы «Обещание весны» так знакомо многим женщинам и созвучно с «обещанием любви» и всего такого, на что идет мужчина, дабы получить желаемое… Красавица сюжета уже растаяла и расцвела, как груша. Она даже испытывает негу, а пунцовая краска залила ее щеки. Ухажер красив, что уж скрывать. Он, скорее, всего, настойчив и даже имеет кое-какой опыт в обольщении женских сердец.
Мужчина – не розовощекий юнец, ему уже лет тридцатью Дама, словно пичужка, попавшая в его клетку. Интересно, о чем он шепчет?
Сюжет картины прост, чем и подкупает. Он представлен легким «женским романом» о любви. Здесь нет замудреного пафоса и скрытого смысла. Это хорошо. Палитра светлая, прозрачная. Автор сделал акцент на голубые тона, придав немного весеннего холодка природе.
Мраморная архитектура говорит о добротности и богатстве. Лоуренс передал фактуру холодного камня и его пигмент так естественно, что сомнений нет в его подлинности. Герои отличаются фотографической точностью отображения. Мне нравится кусок лазурного неба, такой живой и радостный. А это дерево, полное весенних соков и цветения! Красота. Замечательная живопись.