ГлавнаяО проектеГалерея картинЖивописьКопии картинРоспись стендизайн интерьераВход
 
Галерея сайта
 

Галерея картин современной живописи, где можно картину купить, картины художников разных стран

Библиотека живописи художников разных стран: США, Кубы, Австралии, Китая и других. Классика и современность.

Вам могут быть интересны следующие ресурсы:


От: Артёменко Алёна


Опубликовано: Июль 29, 2014

Немецкое искусство и живопись

Немецкое искусство имеет долгие и выдающиеся традиции в изобразительном искусстве, начиная с наиболее ранних известных работ фигуративизма до его нынешнего состояния — современного искусства.

 Немецкое искусство и живопись

Позднеготический алтарь,  Тилман Рименшнейдер (Tilman Riemenschneider), фото Dr. Volkmar Rudolf, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported

Германия объединилась в единое государство только в XIX веке, и определение его границ было крайне трудным и болезненным процессом. Для раннего периода характерно немецкое искусство, созданное в немецкоговорящих регионах, включая Австрию, Эльзас и большую часть Швейцарии, а также в значительной степени немецкоговорящие города или регионы к востоку от современной границы Германии.

От доисторической эпохи до поздней античности

Территория современной Германии богата находками доисторического искусства, включая «Венеру из Холе-Фельс». Это, по-видимому, старейший бесспорный пример искусства верхнего палеолита и фигуративной скульптуры человеческой формы, датируемый более чем 35 тыс. лет до нашей эры, который открыли только в 2008 году. Более известная Венера Виллендорфская (24–22 тыс. лет до н. э.) была найдена недалеко от австрийской границы. Впечатляющие находки бронзового века — золотые шляпы сосредоточены в Германии, так как были центральной формой культуры полей погребальных урн, а также гальштатской культуры. В железный век кельтская латенская культура сосредоточилась в Западной Германии и Франции. Германия принесла много крупных находок кельтского искусства такие как, например, элитные захоронения в Райнхайме и Хохдорфе, и оппидумы в Глауберге, Манхинег и Хойнебурге.

Немецкое искусство от доисторической эпохи до поздней античности

Венера из Холе-Фельс, фото: Gerbil, лицензия Creative Commons Attribution 3.0 Unported

После затяжных войн Римская империя закрепила свои границы в Древней Германии от Верхнегерманско-ретийского лимеса до большей части юга и запада современной Германии. В немецких провинциях создавали искусство в провинциальной версии романского стиля, однако в центральной части находились крупные производители высококачественной древнеримской керамики, экспортируемой по всей империи. Рейнцаберн был одним из крупнейших производителей. Сейчас это прекрасное место для раскопок и создан специальный музей.

Нероманизированные территории поздней Римской империи попали под влияние искусства эпохи великого переселения народов, которое славилось художественными изделиями из металла, а в особенности ювелирными украшениями (самые крупные, по-видимому, носили преимущественно мужчины).

Средневековье

Немецкое средневековое искусство фактически начинается с Франкского государства Карла Великого (ум. в 814 г.), первого государства правящего на подавляющем большинстве современной территории Германии, а также большей части Италии и Франции. Искусство Каролингов ограничивалось довольно небольшим количеством предметов, производимым для определённого круга придворных и ряда императорских аббатств, которые имели поддержку, но в то же время оказавшие огромное влияние на искусство Позднего Средневековья по всей Европе. Иллюстрированный манускрипт — наиболее распространённый предмет, который сохранился. Несомненно были свойственны настенные росписи, но, как и здания, размещающие их, почти все исчезли. Ранее центры просвещения находились в современной Франции, но позже с ними стали соперничать Мец в Лотарингии и аббатство Святого Галла в современной Швейцарии. Среди их созданных рукописей — Сакраментарий Дрого и Псалтырь Фольхарда.

Ни одна из монументальных скульптур Каролингов не сохранилась, хотя возможно наиболее важной поддержкой Карла Великого был заказ золотой фигуры Христа на распятии в натуральную величину для его дворцовой капеллы в Ахене. Об этом известно только из литературных источников. Вероятно, деревянная основа фигуры была покрыта сусальным золотом, предполагаемо, обработана слоем левкаса, как и поздняя и довольно «помятая» Золотая Мадонна из Эссена.

Раннехристианское искусство не изображало в монументальной скульптуре религиозных деятелей в отличие от правителей, так как они сильно ассоциировали Отцов церкви с культом идолов из древнеримской религии. Византийское искусство и современное православное искусство поддерживают запрет по сегодняшний день, но на Западное искусство, видимо, решительно повлиял пример отказа Карла Великого. Круг Карла Великого пожелал возродить славу классического стиля, который они в основном знали в его позднеантичной форме, а также из-за возможности конкурировать с византийским искусством, в котором они оказывали помощь художникам-беженцам из-за волнений византийского иконоборчества. Поскольку сам Карл Великий, по-видимому, сильно не интересовался визуальным искусством, его политическая конкуренция с Византийской Империей, поддерживаемая папством, внесла свой вклад в жёсткое положение о прообразах выраженное в Каролингских книгах, одобренное с небольшим изменениями Западной церковью для остатка Средневековья, и в последующие годы.

Немецкое искусство и живопись - средние века

Апокалипсис Бамберга, из Школы Оттониан Рейхенау (Ottonian Reichenau), достигает монументальности в мелком масштабе. 1000–1020 гг..

Во время следующей Саксонской династии, чья основная территория почти соответствовала современной Германии, Австрии и немецкоязычной части Швейцарии, продуктом оттоновского искусства были преимущественно большие монастыри, в особенности Райхенау, который был ведущим западным художественным центром во второй половине X века. Стиль Райхенау использует упрощенные и узорчатые формы для создания строго выразительных образов, далеких от классических стремлений каролингского искусства, и предвкушает романский стиль. Деревянное Распятие Геро 965–970 гг. в Кельнском соборе является старейшим и лучшим ранним средневековым почти в натуральную величину распятием. Историки искусства неохотно заносили его в документы, до тех пор, пока в 1976 году не была подтверждена дата с помощью. В силу того, что в остальной части Европы, художественная работа по металлу всё ещё оставалась самым престижным видом искусства, такой предмет, как Крест Лотаря, изготовлений приблизительно в 1000 году, вероятно в Кёльне, украсили драгоценными камнями.

Три глупые девы, Собор Магдебурга - Немецкое искусство и скульптура

Три глупые девы, Собор Магдебурга, фото: Chris 73, лицензия Creative Commons Attribution 3.0 Unported

Романское искусство стало первым художественным направлением, охватившим всю Западную Европу, несмотря на региональные различия. Германия была центром направления, однако немецкая романская архитектура использовала меньше скульптуры, чем та же Франция. С увеличивающимся процветанием массивных церквей, они строились уже не только для тех, кто находился под патронатом императорского круга, а в городах по всей Германии. Французы изобрели готический стиль, но Германия не спешила принимать его, но как только она это сделала, немцы присвоили его себе, и продолжали использовать долгое время после того, как остальная Европа от него отказалась. Согласно Анри Фосийони, готика позволила немецкому искусству «впервые определить некоторые аспекты его природного гения – сильной и решительной концепции жизни и формы, в которых театральная демонстративность смешана с неистовой эмоциональной откровенностью». Бамбергский всадник 1330 годами в соборе Бамберга — старейшая пост-античная каменная конная статуя больших размеров; средневековые надгробные памятники королей больше сохранились в Германии, чем во Франции или Англии. Романские и раннеготические церкви имели настенную живопись в местных версиях международных стилей, из которой известны имена нескольких художников.

В конце XIV века двор императора Священной Римской империи, на то момент, расположенный в Праге, сыграл важную роль в формировании интернационального готического стиля. Стиль распространили вблизи богатых городов Северной Германии такие художники как Конрад фон Зост в Вестфалии и Мастером Бертрамом в Гамбурге и позже Штефан Лохнер в Кёльне. Гамбург был одним из городов Ганзейского союза, находившийся в то время на пике своего процветания. Преемниками Бертрама в городе стали такие художники как Мастер Франке, Мастер алтаря из Мальхина, Ханс Борнеманн, Хинрик Фунхоф и Вильм Дедеке, который дожил до эпохи Возрождения. Ганзейские художники писали заказы для балтийских городов Скандинавии и для современных государств Балтии на востоке. В южной части, Мастер алтаря в Бамберге — это первый значительный художник, проживающий в Нюрнберге, в одно время с Мастером Хайлигенкройц и Михаэлем Пахером, позже работающим в Австрии.

Аналогично с Пахером, мастерская Бернта Нотке, художника из ганзейского города Любека, расписывали алтари или вырезали их, тщательно обрабатывали, расписывали и золотили, используя в качестве каркаса или альтернатив для окрашенных панелей. Южнонемецкая деревянная скульптура сыграла важную роль в развитии новых тем, отражающих чрезвычайно эмоциональную религиозную жизнь, которая подстрекалась такими движениями позднесредневекового католицизма как, например, немецкий мистицизм. Эти темы часто известны на английском языке как «andachtsbilder» (религиозные изображения) и включают Пьету, Задумчивого Христа, Муж скорбей, Орудия Стастей, Плат Вероники, отрубленная голова Иоанна Крестителя, и Скорбящая Дева, многие из них распространились по Европе и остались популярными до эпохи барокко как в популярных религиозных образах, так и вне. Действительно «позднеготическое барокко» — термин, который временами используется для описания чрезмерно декорированного и эмоционального искусства XV века, прежде всего в Германии.

Мартин Шонгауэр, Портрет молодой женщины. Ок. 1475-1480. Коллекция Хайнца Кистерса, Кройцлинген

Мартин Шонгауэр, Портрет молодой женщины. Ок. 1475-1480. Коллекция Хайнца Кистерса, Кройцлинген

Мартин Шонгауэр, который работал в Эльзасе во второй половине XV века, стал кульминацией позднеготической немецкой живописи, с изысканным и гармоничным стилем, но он все чаще проводил время, создавая гравюры, для которых развились национальные и международные каналы распространения, так, чтобы его печатные издания были известны в Италии и других странах. Его предшественниками были Мастер игральных карт и Мастер E.S., оба также из региона Верхнего Рейна. Немецкий консерватизм, проявляющийся в позднем использовании золотого фона, всё ещё успешно используется многими художниками и в XV веке.

Живопись и гравюры эпохи Возрождения

Концепция Северного Возрождения или немецкого ренессанса немного приводит в замешательство, поскольку продолжает использовать сложный готический орнамент в значительной части XVI века, даже в работах, которые, несомненно, выполнены в ренессансе обращаясь к человеческой фигуре и другим аспектам. Классический орнамент произвёл небольшой исторический резонанс в большей части Германии, но в других аспектах государство очень быстро поддержало нововведения, особенно в принятии печати подвижными литерами — немецкое изобретение, которое оставалось почти немецкой монополией в течение нескольких десятилетий. Именно немцы впервые ввели это изобретение в большей части Европы, включая Францию и Италию.

Создание графики при помощи ксилографии и гравировки (возможно, одно из немецких изобретений) уже более развито в Германии и странах Бенилюкса, чем где-либо ещё. Немцы взяли на себя инициативу в разработке книжных иллюстраций, как правило, из-за относительно низкого художественного уровня, но замеченных по всей Европе, деревянные дощечки часто одалживали для печати изданий в других городах или языках. Величайший художник немецкого ренессанса Альбрехт Дюрер, начал свою карьеру в качестве ученика ведущей мастерской в Нюрнберге. Она принадлежала Михаэлю Вольгемуту, который почти полностью оставил живопись, чтобы поработать над новым материалом. Дюрер работал над самой богато иллюстрированной книгой того периода, Нюрнбергской хроникой, опубликованной его крёстным отцом Антоном Кобергером, в то время крупнейшим издателем Европы.

«Алтарь Геллера» («Алтарь Вознесения Марии») — алтарный образ (триптих) Альбрехта Дюрера и Маттиаса Грюневальда

«Алтарь Геллера» («Алтарь Вознесения Марии») — алтарный образ (триптих) Альбрехта Дюрера и Маттиаса Грюневальда. Алтарь был создан между 1507 и 1511 годами по заказу патриция Якоба Геллера для церкви доминиканского монастыря во Франкфурте-на-Майне.

После завершения своего обучения в 1490 году, Дюрер путешествовал в течение четырёх лет по Германии и несколько месяцев по Италии, прежде чем создал собственную мастерскую в Нюрнберге. Он быстро стал известен на всю Европу своими энергичными и гармоничными ксилографиями и гравюрами, а также живописью. Сохраняя отчётливо немецкий стиль, его работа отображает сильное итальянское влияние. Именно его работы зачастую свидетельствуют о начале немецкого ренессанса в изобразительном искусстве, который на ближайшие сорок лет сместил Нидерланды и Францию в области введения наиболее значительных новшеств в искусстве Северной Европы. Дюрер поддержал Мартина Лютера, но продолжал создавать Мадонны и другие католические образы, писал портреты лидеров обеих сторон назревающего раскола Реформации.

Дюрер умер в 1528 году, прежде чем стало ясно, что раскол Реформации постоянный, но последующие поколения его учеников уже не смогли избежать принятия чьей-либо стороны. Большинство ведущих немецких художников стали протестантами, что лишило их возможности писать большинство религиозных работ, которые ранее были основным доходом для художников. Мартин Лютер возражал против значительной части католических образов, но не против своего. Лукас Кранах Старший, близкий друг Лютера, нарисовал ряд «лютеранских алтарей» в основном, отображающих Тайную вечерю, некоторые портреты ведущих протестантов предполагались в качестве Двенадцати Апостолов. Эта стадия лютеранского искусства закончилась до 1550 года, вероятно, под влиянием более яростно иконоборческого кальвинизма, и на протестантских территориях практически перестали изготовлять религиозные работы для всеобщего обозрения.

Предположительно во многом из-за этого, развитие немецкого искусства фактически прекратилось примерно до 1550 года, но в предыдущие десятилетия немецкие художники были очень плодотворны в развитии альтернативных тем, чтобы закрыть пробел в их книгах на заказ. Кранах, кроме портретов, развил формат тонких вертикальных портретов провокационного ню, давая классические и библейские названия.

Несколько вне этих достижений находится Маттиас Грюневальд, который оставил очень немного работ, но чьи шедевры (Изенгеймский алтарь, законченный в 1515 году), были широко признаны величайшими произведениями немецкого ренессанса, после того как в XIX веке его восстановили с особым вниманием. Это невероятно эмоциональная работа, которая продолжает немецкие готические традиции безудержных жестов и выражений, используя композиционные принципы ренессанса. Большинство в алтаре представляет собой готическую форму как, например, многокрылый триптих.

Дунайская школа — это название круга художников первой трети XVI века в Баварии и Австрии, включая Альбрехта Альтдорфера, Вольфа Губера и Августина Хиршфогеля. Во главе с Альтдорфер школа выпустила первые образцы независимого пейзажного искусства на Западе (приблизительно через 1000 лет после Китая), в обеих формах, картинах и гравюрах. Их религиозные картины написаны в стиле экспрессионизм несколько похожем на стиль Грюневальда. Ученики Дюрера, Ганс Бургкмайр и Ханс Бальдунг Грин работали в основном с печатной графикой, и с развитой Болдунгом актуальной темой ведьм во множестве загадочных печатных изданий.

Ганс Гольбейн Старший и его брат Зигмунд Гольбейн писали религиозные картины в стиле поздней готики. Ганс Старший был пионером и лидером в трансформации немецкого искусства из готики в ренессанс. Его сын, Ганс Гольбейн Младший — значительный художник-портретист, написал несколько религиозных картин. Работает в основном в Англии и Швейцарии. Известная серия небольших гравюр на дереве Гольбейна — «Пляска смерти», имеет отношение к работам Малых мастеров, группе гравёров, которые специализировались на очень маленьких и крайне детальных гравюрах для буржуазных коллекционеров, включая множество эротических тем.

Ганс Хольбейн Старший, Портрет Катарины Шварц с атрибутами её святой покровительницы 1509, 39×28 см Гота, Музей замка Фриденштей

Ганс Хольбейн Старший, Портрет Катарины Шварц с атрибутами её святой покровительницы, 1509, 39×28 см, Гота, Музей замка Фриденштейн

За выдающимися достижениями первой половины XVI века последовали несколько десятилетий с примечательным отсутствием упоминания немецкого искусства, за исключением портретов, которые никогда не соперничали с Гольбейном или Дюрером. Следующие значительные немецкие художники работали в довольно искусственном стиле северного маньеризма, который они изучали в Италии или Фландрии. Ханс фон Аахен и голландский Бартоломеус Спрангер были ведущими художниками при императорских дворах Вены и Праги, а также распространили работы нидерландской семьи гравёров Саделер по всей Германии, в том числе и других странах. Этот стиль сохранил для следующего поколения Бартоломей Стробель, который был примером фактически немецкого художника родившегося и работавшего в Силезии (современная Польша), пока эмигрировал, бежав от Тридцатилетней войны, и стал художником при польском дворе. Адам Эльсхаймер, самый влиятельный немецкий художник XVII века, зрелые годы провёл в Италии, где он начал, работая на эмигранта Ханса Роттенхаммера. Оба создали высококачественные работы «кабинетной живописи», в основном на меди, с классическими темами и пейзажными фонами.

Скульптура

В католических районах Южной Германии готические традиции резьбы по дереву продолжали процветать до конца XVIII века, адаптируясь к изменениям в стиле на протяжении веков. Фейт Штос (ум. в 1533 г.), Тильман Рименшнайдер (ум. в 1531 г.) и Петер Фишер Старший (ум. в 1529 г.) были современниками Дюрера. Длинная деятельность каждого из них охватывает период перехода между готикой и ренессансом, хотя орнаменты зачастую оставались готичными, даже после того, как их произведения начали отображать принципы ренессанса. Два с половиной столетия спустя, в конце эпохи Барокко, ведущими мастерами были Йозеф Иоганн Кристиан и Игнац Гюнтер. Оба умерли в конце 1770 годов, всего лишь за десятилетие до французской революции. Деятельность Вессобрунской школы (позднее, термин для обозначения стуккоистов конца XVII и XVIII веков) стала жизненно важным фактором, повлиявшим на интерьеры в стиле немецкого барокко. Ещё одно воплощение немецкого скульптурного мастерства проявилось в фарфоре. Самым известным модельщиком был Иоганн Иоахим Кендлер из Мейсенской мануфактуры в Дрездене, но лучшие работы Франца Антона Бустелли для нимфенбургской фабрики фарфора в Мюнхене считаются величайшим достижением в производстве фарфора XVIII века.

Лепнина Вессобруннер в Аббатстве Шуссенрид

Лепнина Вессобруннер в Аббатстве Шуссенрид, фото Fb78, лицензия Creative Commons Attribution 3.0 Unported

 

Немецкая живопись XVII - XIX веков

Барокко, рококо и неоклассицизм

Барочная живопись не спешила прибывать в Германию, её было очень немного до приблизительно 1650 года, но когда она установилась, кажется, прекрасно подошёл немецкому вкусу. Эпохи Барокко и Рококо пролили свет на работы немецкого искусства, созданные, главным образом вследствие событий в других местах, хотя в различных жанрах работал ряд талантливых художников. Этот период по-прежнему остаётся малоизвестным за пределами Германии, хотя «никогда не имел претензий, находится в числе великих школ живописи», но, как и прежде поражает невнимательность к нему ненемецкой истории искусства. Многие уважаемые иностранные художники работали некоторое время в Германии по приглашению королей, среди них Бернардо Беллотто (в Дрездене и других местах), и Джованни Баттиста Тьеполо, который со своим сыном Джованни Доменико Тьеполо провёл три года, расписывая Вюрцбургскую резиденцию. Многие немецкие художники работали за границей, в том числе Иоганн Лисс, который трудился главным образом в Венеции, Иоахим фон Зандрарт и Людольф Бакхёйзен, ведущий художник-маринист последних лет Золотого века голландской живописи. В конце XVIII века портретист Генрихом Фюгер и его ученик Иоганн Петер Краффт (наиболее известные работы — три большие фрески в Хофбурге), оба переехали в Вену, в качестве студентов и остался там.

Иоганн Лисс, картина

Иоганн Лисс, картина "Падение Фаэтона"

В Германии неоклассицизм появился несколько раньше, чем во Франции, как и Антон Рафаэль Менгс (1728–1779), датский художник Асмус Джейкоб Карстенс (1754–1798) и скульптор Готфрид Шадов (1764–1850). Менгс был одним из самых уважаемых художников своего времени, работающих в Риме, Мадриде и других городах, ввёл стиль ранний неоклассицизм. В настоящее время кажется довольно слабым, хотя в его портретах больше чувствуется сила. Более короткая карьера Карстенса была бурной и проблемной, оставив след незаконченных работ, но благодаря ученикам и друзьям (Кристиан Готлиб Шик, Йозеф Антон Кох и Бонавентура Дженелли) - более существенной. Кок родился в горах австрийской Тироли и стал ведущим континентальным художником-пейзажистом, который сосредотачивался на видах гор, несмотря на то, что большую часть творческой деятельности провёл в Риме.

Даниэль Ходовецкий родился в Гданьске, и определён, по крайней мере частично, как поляк, хотя говорил только на немецком и французском языках. Его картины, сотни гравюр, книжные иллюстрации и политические карикатуры являются бесценными визуальными записями о повседневной жизни, всё более сложном менталитете Германии в эпоху Просвещения и её новом национализме. Рождённый в Швейцарии Антон Графф был плодовитым портретистом в Дрездене, писавший портреты литературных деятелей, а также придворных. Династия Тишбейн – семья всесторонне-одарённых художников, деятельность которых охватила большую часть XVIII века, как и семьи Зик, первоначально художники грандиозных барочных потолков, которые по-прежнему живы в иллюстрациях Александра Зика. Оба братьев Асам, и Йоханн Баптист Циммерманн и его брат, были в состоянии совместно выполнять заказы для церквей и дворцов, проектировать здания и выполнять лепные работы и росписи. Общий результат всех элементов этих зданий в Южной Германии, Австрии и Богемия, особенно их интерьеров, представляет наиболее полную и глубокую реализации барочных стремлений сокрушить зрителя «сияющим волшебным миром дома дворянина», или в случае церкви «предвкусить красоту Рая».

Даниэль Ходовецкий, гравюра

Даниэль Ходовецкий, гравюра "Сквозь строй", 1776

Самая ранняя немецкая академия — Берлинская академия искусств была основана в 1696 году. В течение следующих двух столетий ряд других городов создали собственные институты, параллельно с достижениями других европейских государств. Изменчивый рынок искусства, разделённый на множество малых государств, означал, что крупные немецкие художники как тогда, так и сегодня, более склонны занять должность преподавателя в немецких академиях и альтернативных учебных заведениях, чем в их же аналогах в Англии или Франции. В целом немецкие академии ввели особый менее жёсткий стиль, чем того, который долгое время был в Париже, Лондоне, Москве или в других городах.

Произведения об искусстве

В эпоху Просвещения началось становление немецкое авторов как ведущих теоретиков и критиков искусства, во главе с Иоганном Иоахимом Винкельманом, который возвеличивал древнегреческое искусство, несмотря на то, что никогда не посещал Грецию или непосредственно видел много древнегреческих статуй, излагал анализ о различиях между главными периодами древнегреческого искусства, и об их связи с более широкими историческими движениями. Работа Винкельмана ознаменовала вступление истории искусства в высоко-философский дискурс с немецкой культурой. Он читал запоем Гёте и Фридриха Шиллера, оба начали писать об истории искусства, и рассказ первого о Лаокооне ставший поводом для реакции Лессинга. Гёте пытался учиться живописи, в его пейзажных набросках видны «случайные вспышки эмоций в присутствии природы, которая достаточно обособлена в этот период». Поднятие искусства в качестве главной темы для философских размышлений закрепилось «Критикой способности суждения» Иммануила Канта в 1790 году, и содействовалось лекциями Гегеля по эстетике. В следующем столетии, немецкие университеты стали первыми обучать художественной истории в качестве академического предмета, заняв ведущее положение в её исследовании до рассеивания учёных за границей в Нацистский период. Иоганн Готфрид Гердер отстаивал, связь готики и Дюрера как конкретно германских стилей, выдвигая аргументы в защиту правильных моделей для немецкого художника против так называемой «тирании Греции над Германией», которая продлилась почти два столетия.

Романтизм и Назарейцы

В эпоху немецкого Романтизма произошло возрождение нововведений и самобытности немецкого искусства. За пределами Германии широко известен только Каспар Давид Фридрих, но существует целый ряд художников с очень индивидуальными стилями, в частности Филипп Отто Рунге, который, как и Фридрих стажировался в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене и которого не забыли после смерти до возрождения в XX веке. Фридрих почти исключительно писал пейзажи, которые передавали характерную атмосферу севера и ощущение псевдорелигиозной тишины. Часто в его картинах можно увидеть позади фигуры – они как зритель теряются в созерцание пейзажа. Портреты Рунге, в основном людей его круга, натуралистичны за исключением крупнолицых детей, но другие работы в его короткой карьере всё в большей степени отражают концептуальный пантеизм. Адриана Людвига Рихтера в основном помнят за его портреты, а Карл Вильгельм Кольбе – как исключительно гравёра (а также филолога), на чьих поздних гравюрах изображены фигуры, которые почти полностью проглочены гигантской растительностью.

Каспар Давид Фридрих- Каспар Давид Фридрих, картина «Четыре возраста», Романтизм и Назарейцы

Каспар Давид Фридрих, картина «Четыре возраста», около 1835

Движение назарейцев, ироничный неологизм, обозначающий группу немецких художников-романтиков, начала XIX века, которые стремились к восстановлению честности и духовности, в христианском искусстве. Основным мотивом назарейцев было противодействие неоклассицизму и установленному художественного образования академической системы. Они надеялись возвратиться к искусству, которое воплотило духовные ценности, и искали вдохновение в художниках позднего Средневековья и раннего Ренессанса, отвергая то, что, по их мнению, считалось поверхностной виртуозностью позднего искусства. Их программа не отличалась от английского братства прерафаэлитов 1850 годов, но основная группа приняла её, а также потребность носить специальную псевдосредневековую одежду. В 1810 году Иоганн Фридрих Овербек, Франц Пфорр, Людвиг Фогель и швейцарец Иоганн Конрад Хоттингер переехали в Рим, где они заняли покинутый монастырь Сан-Исидоро. К ним присоединились Филипп Файт, Петр фон Корнелиус, Джалиус Шнорр фон Каролсфельд, Фридрих Вилхельм Шадов и свободная группа других немецких художников. Они встретились с австрийским пейзажистом-романтиком Джозефом Антоном Коком (1768–1839), который стал их неофициальным наставником. В 1827 году к ним присоединился Йозеф фон Фюрих, и позже с группой ассоциировали Эберхард Вахтер. В отличие от сильной поддержки, которую оказывал прерафаэлитам основной искусствовед того времени Джон Рёскин, Гёте высказал пренебрежительное отношение к назарейцам: «Это впервые в истории искусства, когда настоящие таланты, захваченные энтузиазмом объединились, вернувшись к истокам, таким образом, зародив новую эпоху в искусстве».

картина Италия и Германия, Иоганн Фридрих Овербек

картина Италия и Германия, Иоганн Фридрих Овербек

Под руководством назарейца Шадова, сына скульптора, находилась Дюссельдорфская школа — группа художников, которые писали в основном пейзажи, и которые учились и оказались под влиянием Дюссельдорфской академии, основанной в 1767 году. Влияние Академии выросло в 1830-х и 1840-х годах, и её ряды пополнило много американских студентов, нескольких из которых ассоциировали со Школой реки Гудзон.

Натурализм и другие направления

Бидермейер относится к стилю в литературе, музыке, изобразительном искусстве и дизайне интерьера в период между окончанием наполеоновских войн в 1815 г. и революцией 1848 года. Искусство Бидермейера обращалось к процветающему среднему классу через детальный и отточенный реализм, часто превозносящий национальную мораль, и призванный подавить французские аристократические вкусы, а также чаяние романтизма. Карл Шпицвег был одним из ведущих немецких художников стиля бидермайер.

Во второй половине XIX века развилось несколько стилей, отражающие тенденции других европейских стран, а отсутствие доминирующей столицы, вероятно, способствовало ещё большему их разнообразию, чем в других странах.

«Концерт в Сан-Суси» 1850-52,  Адольф Менцель

«Концерт в Сан-Суси» 1850-52,  Адольф Менцель

Адольф Менцель пользовался огромной популярностью как среди немецкой публики и, так и среди официальных лиц; на его похоронах за его гробом шёл император Вильгельм II. Он драматизировал прошлые и современные военные успехи Пруссии в живописи и блестящих ксилогравюрах иллюстрированных книг, при этом его народные сюжеты трогательные и глубокие. Он следил за развитием раннего импрессионизма, создав стиль, который использовал для изображения крупных общественных мероприятий, среди других сюжетов, как его «Стена мастерской». Во второй половине века Карл фон Пилоти был одним из ведущих академических живописцев исторических сюжетов, который преподавал в Мюнхенской академии художеств. Среди его наиболее известных учеников: Ганс Макарт, Франц фон Ленбах, Франц фон Дефреггер, Габриэль фон Макс и Эдуард фон Грютцнер. После того как у него обучались такие греческие художники как Георгиос Яковидис, термин «Мюнхенская школа» используется как для немецкой, так и для греческой живописи. Берлинский сецессион – основанная в 1898 году группа художников, включая Макса Либермана, который во многом разделял художественный подход Мане и французских импрессионистов, и Ловиса Коринта, в то время всё ещё пишущего в натурализме. Несмотря на расколы группа просуществовала до 1930-х годов, её регулярные выставки помогли начать свою деятельность следующим двум поколениям берлинских художников, при этом не навязывая определённый стиль.

Ближе к концу века, Бойронская школа живописи разработала стиль для религиозных фресок, в довольно приглушённых тонах, который привлёк интерес медиевистов к узорам, срисованные у группы «Наби», и который в определённой степени предвкушал модерн или югендстиль («молодой стиль»), как он известен в Германии. Франц фон Штук и Макс Клингер были ведущими художниками немецкого символизма.

Немецкое искусство XX века

Даже больше, чем в других странах, в начале XX века немецкое искусство расширилось за счёт ряда свободных групп и движений, к тому же многие задействовали другие художественные средства, и часто конкретные политические события, как в случае с Arbeitsrat für Kunst («Рабочий совет по искусству») и Ноябрьской группой, обе сформировались в 1918 году. В 1920-х годах «Картель передовых художественных групп Германии» (Kartell fortschrittlicher Künstlergruppen Deutschland) сочли необходимым.

«Мост» была одной из двух групп немецких художников, ставшая фундаментальной для экспрессионизма, другой была группа «Синий всадник». «Мост» — группа немецких художников-экспрессионистов, сформированная в Дрездене в 1905 году студентами-архитекторами, которые хотели быть художниками: Фриц Блейль (1880–1966), Эрих Хеккель (1883–1970), Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938), Карл Шмидт-Ротлуф (1884–1976) с Максом Пехштейном и другими присоединились позже. Как известно, индивидуалист Эмиль Нольде (1867–1956) недолго был членом группы «Мост», однако находился не в ладах с младшими членами. В 1911 году группа переехал в Берлин, где он в конечном итоге, распустилась в 1913 году. Возможно, её наиболее важным вкладом было новое открытие ксилогравюры в качестве эффективного средства для оригинального художественного выражения.

Август Маке, Наш сад с цветущими клумбами. - Немецкое искусство XX века

Август Маке, Наш сад с цветущими клумбами. 1911. Собрание «Вестдойче Ландесбанк». Дюссельдорф

Группа «Синий всадник» создана в Мюнхене, в 1911 году. Василий Кандинский, Франц Марк, Август Маке, Алексей Явленский, Марианна Верёвкина и другие основали группу в ответ на отказ от картины Кандинский «Страшный суд» на выставке «Новое Мюнхенское художественное объединение» — ещё одна группа, членом которой был Кандинский. Название «Синий всадник» произошло от увлечения Марка лошадьми, а также из-за любви Кандинского к синему цвету. Для Кандинского, синий является цветом духовности – чем темнее синий цвет, тем больше он пробуждает стремление человека к вечности (см. его книгу 1911 года «О духовном в искусстве»). В 1903 году Кандинский также назвал картину «Синий всадник». Значительный скульптор и гравёр Кете Кольвиц находилась под сильным влиянием экспрессионизма, который также сформировал отправную точку для молодых художников, которые продолжали присоединяться к другим направлениям в пределах движений начала XX века. Обе группы «Мост» и «Синий всадник» были примером «честного, прямого и духовного» направления в немецком искусстве начала XX века. Однако разница заключается в том, как две группы пытались это передать. Художники «Синего всадника» менее ориентировались на интенсивное выражение эмоций, а больше на теорию, направление, которое приведёт Кандинского к чистой абстракции. Тем не менее это были духовные и символические свойства абстрактной формы, которые имели важное значение. Поэтому утопические тона абстракций Кандинского: «Перед нами эпоха сознательного творения, и этот новый дух в живописи идёт рука об руку с мысли о эпохе большей духовности». Группа «Мост» также имела утопические тенденции, но взяла за модель средневековую гильдию ремесленников в качестве совместной работы, которая смогла бы улучшить общество: «Всякий, кто передаёт прямо и подлинно, заставляет его творения принадлежать нам». Баухауз также разделял эти утопические наклонности, стремясь объединить изобразительное и прикладное искусство (Gesamtkunstwerk – «закончено-единое произведение искусства») с целью создания лучшего общества.

Отто Дикс, Портрет журналистки сильвии фон харден, 1926

Отто Дикс, Портрет журналистки сильвии фон харден, 1926

Веймарский период

Главной особенностью немецкого искусства с начала XX века до 1933 года стал бум в изготовлении произведений искусства в гротескном стиле. Сатирически-гротескный жанр, по крайней мере в своих работах 1920 годов, использовали такие художники как: Георг Гросс, Отто Дикс и Макс Бекман. Дадаизм в Германии, ведущими представителями которого были Курт Швиттерс и Ханна Хёх, сосредоточился в Берлине, где это имело более политически ориентированное направление, чем группы дадаизма в других местах. Они внесли существенный вклад в развитие коллажа как среды для политических комментариев. Швиттерс позже разработал свой «Мерц», предшественник инсталяции. Дикса и Гросса также связывали с берлинской группой дадаизма. Макс Эрнст возглавлял группу дадаистов в Кёльне, где он также занимался коллажем, но с большим интересом к готической фантазии, чем с явно политическим содержанием. Это ускорило его переход в сюрреализм, в котором он стал ведущим немецким практиком. Рождённые в Швейцарии Пауль Клее, Лионель Фейнингер и другие экспериментировали с кубизмом.

«Новая вещественность» (Neue Sachlichkeit) – направление в искусстве, зародившееся в Германии 1920 годов вследствие естественного развития экспрессионизма и как его противоположность. Таким образом, это постэкспрессионизм и применяется к произведениям изобразительного искусства, а также в литературе, музыке и архитектуре. Он описывает уменьшенный, спрошенный стиль здания Баухауз и посёлка Вайсенхоф, градостроительных и муниципальных проектов Бруно Таута и Эрнста Майя, индустриализация семьи, типичным примером, которого стала франкфуртская кухня. Гросс и Дикс были ведущими фигурами, сформировавшие «веристское» течение в движении с Бекманом, Кристианом Шадом, Рудольфом Шлихтером, Георгом Шольцем (в его ранних работах), Эльфридой Лозе Вёхтлер, и Карлом Хубухом. Второе течение, иногда называемое «магический реализм», включал: Антона Редершайдта, Георга Шримпфа, Александра Канольдта, и Карла Гросберга. В отличие от некоторых других групп, Новая вещественность никогда не была формальной, её художники состояли в других группах. Термин был изобретён благосклонным куратором, а «Магический реализм» — искусствоведом.

Плакатштиль («стиль плаката») - ранний стиль дизайна плаката, который зародился в начале XX века. В отличие от плакатов в стиле модерн использовал смелые, прямые штрихи с очень простым дизайном. Ведущей фигурой стиля был Бернхард Лукиан.

Искусство Третьего рейха

Нацистский режим наложил запрет на современное искусство, осудив его как дегенеративное (от немецкого: entartete kunst). Согласно нацистской идеологии, современное искусство отклонилось от предписанных норм классической красоты. В то время как 1920–1940 годы считаются периодом расцвета современных художественных направлений, так же существовали противоречивые националистические движения, которые возмущались абстрактным искусством, и Германия не была исключением. Немецких художников авангардистов тут же заклеймили как врагов государства и угрозу для немецкой нации. Многих отправили в изгнание, относительно немногие вернулись после Второй мировой войны. Дикс был единственным, кто остался, и которого призвали в отряды ополчения — Фольксштурм; Пехштейн затаился в сельских районах Померании. Нольде также остался, создавая свои «ненаписанные картины» втайне после запрета рисовать. Бекман, Эрнст, Гросс, Фейнингер и другие отправились в Америку, а Клее в Швейцарию, где он и умер. Киршнер покончил жизнь самоубийством.

В июле 1937 года, нацисты провели полемическую выставку под названием Entartete Kunst (Дегенеративное искусство), в Мюнхене; впоследствии она отправилась в другие одиннадцать городов Германии и Австрии. Целью выставки было официальное осуждение современного искусства, и включены более 650 произведений живописи, скульптуры, гравюры и книг из коллекций тридцати двух немецких музеев.

Наибольший процент картин представлял экспрессионизм – стиль, который берёт своё начало в Германии. В то же самое время с большим великолепием, нацисты представили «Великую выставку немецкого искусства» (Grosse Deutsche Kunstausstellung) в роскошном Доме немецкого искусства (Haus Der Deutschen Kunst). Эта выставка представила работы официально утверждённых художников, таких как: Арно Брекер и Адольф Виссель. По истечении 4 месяцев выставка «Дегенеративное искусство» привлекла более двух миллионов посетителей, почти в три с половиной раза больше того количества, которое посетило соседнюю «Великую выставку немецкого искусства».

Немецкое искусство после Второй Мировой Войны

Направления в послевоенном искусстве Германии можно вполне разделить на неоэкспрессионизм и концептуализм.

Выдающиеся неоэкспрессионисты: Георг Базелиц, Ансельм Кифер, Йорг Иммендорф, А.Р. Пенк, Маркус Люперц, Петр Роберт Кайл и Райнер Феттинг. Другие известные художники, которые работают с традиционными средствами или фигуративными образами: Мартин Киппенбергер, Герард Рихтер, Зигмар Польке, и Нео Раух.

Ведущие художники концептуализма: Бернд и Хилла Бехер, Ханне Дарбовен, Ханс-Петер Фельдман, Ханс Хааке, Шарлотт Посененске.

Художник перфоманса, скульптор и теоретик Йозефа Бойса был, пожалуй, наиболее влиятельным немецким художником конца XX века. Его основным вкладом в теорию стало распространение «единого произведения искусства» во всём обществе, выраженное его знаменитой фразой: «Каждый человек — художник». Эта расширенная концепция искусства, известная как социальная скульптура, определяет характерно художественное — всё, что способствует творчеству в обществе. Форма, взятая для его творчества, варьируется от полностью метафорических, почти шаманских выступлений, основанных на его личной мифологии («Как объяснять картины мёртвому зайцу», «Я люблю Америку и Америка любит меня») до более прямых и утилитарных выражений, таких как «7000 дубов» и его деятельности в партии «Зелёные».

Известные своими хэппенингами Ханс Шульт и Вольф Фостель. Волк Востелл также известен его ранними инсталляциями с телевизорами. Его первую инсталляцию с телевизором «Cycle Black Room» 1958 года показали в Вуппертале в галерее «Парнас» в 1963 году, а инсталляцию «6 TV Dé-coll/age» — в Smolin Gallery в Нью-Йорке также в 1963 году.

В арт-группу SPUR входили: Лотар Фишер (1933–2004), Хаймрад Прем (1934–1978), Ханс-Петер Циммер (1936–1992) и Гельмут Штурм (1932). Художники SPUR впервые встретились в Академии изящных искусств, в Мюнхене и, прежде чем они оказались в группе, были приверженцами ситуационизма. Другие группы включают «Новых диких» конца 70-х до начала 80-х XX.

Documenta — это крупная выставка современного искусства, проходящая в Касселе каждые пять лет (2007, 2012...). Арт Кёльн — ежегодный арт-ярмарка, опять же проводится в основном для современного искусства и Transmediale является ежегодным фестивалем искусств и цифровой культуры, проходящий в Берлине.

Другие немецкие художники современного искусства: Йонатан Мезе, Даниэль Рихтер, Альберт Оэлен, Маркус Олен, Розмари Трокель, Андреас Гурски, Томас Руфф, Блинки Палермо, Себастьян Беник, Ханс-Юрген Шликер, Гюнтер Юккер, Арис Калаизис, Катарина Фритч, Фриц Швеглер и Томас Шютте.

Дело Вольфганга Бельтракки стало известным как одно из самых больших судебных процессов по подделке предметов искусства.

 

перевод одноимённой статьи из англоязычной википедии


« Тициан (Тициано Вечеллио) женские портретыЛеди Шалотт в живописи »