Опубликовано: Апрель 14, 2014
Сингапур. Музей изобразительного искусства ( адрес: Singapore Art Museum, 71 Bras Basah Road. Singapore. )
Музей современного изобразительного искусства Сингапура богат обилием экспонатов разных стилей, направлений, видов и форм современного искусства, от графики, живописи и скульптуры до световых неоновых инсталляций и провокационных шокирующих публику перформансов. Музей представляет Сингапур как мировой «мегаполис искусства», полный новых идей и дерзких устремлений к будущему, в котором происходит зарождение новых стилей и художественных направлений, куда стягивается со всего света поток талантов, знаний и ресурсов.
Музей располагается в здании, где некогда были учреждения католической школы имени Святого Иосифа для мальчиков. В 1990 году школа переехала по другому адресу, а в неоклассическом просторном здании в 1996 году разместился музей, состоящий из восемнадцати галерей, конференц-зала, выставочного зала и зала для перформансов и концертов, музейного магазина, двора, кафе и двух ресторанов. В главном здании музея была часовня. Все важные архитектурные элементы часовни сохранились до наших дней в первозданном виде.
Зеро. Мягкие скульптуры. 2010. Смешанная техника. Художник по прозвищу Зеро, известный своими граффити, во многих работах иронически исследует связь между миром коммерции и искусства. Утонченные и смешные мягкие игрушки скульптуры «гуманоидов» высмеивают укоренившиеся в обществе стереотипы моды и «потребительской» культуры.
Зеро создает монументальные «граффити» с изображениями таких фигур созданных им «гуманоидов». Граффити сами по себе, как форма изобразительного искусства, является маргинальной, запрещенной во многих странах мира, включая Сингапур. А потому, искусство художников граффити официально считается «хулиганством», и мастера граффити не преследуют коммерческой цели. Но «галерейные» граффити пользуются большим спросом, и, в отличие от уличных граффити, приносят своим создателям неплохую прибыль. Зеро начал свою карьеру, создавая «спонтанные» граффити на стенах своих соседей. Потом Зеро со своими работами в «стиле улиц» стал частью мира коммерческого галерейного искусства. Его творчество в целом символизирует то, как произведения некоммерческой самодеятельной субкультуры могут превратиться в закономерную часть культуры «общества потребления».
Мариано Чинг. Женщина с четырьмя ногами. 2011. Холст, акрил. 182х152.
Мариано Чинг, филиппинский художник с китайскими корнями, начинал свою карьеру в качестве иллюстратора комиксов и мультфильмов, он учился не только в университете на Филиппинах, но и в Японии. В своих работах художник высмеивает ставший популярным в наши дни «гламурный стиль», проникший в моду, кинематограф, живопись и фотоискусство. В модных позах и в «гламурных» одеждах художник изображает персонажей с гротескными чертами физического уродства, тем самым намекая на несовершенство и извращенность «гламурного мира», созданного пресыщенным воображением художественной элиты «общества потребления». Другой талантливый филиппинский художник - Луи Кордеро, он в современном художественном мире Юго-Восточной Азии самый яркий и даровитый представитель сюрреализма. Сюрреализм, как международный стиль изобразительного искусства, возникший под сильным влиянием идей Фрейда, хорош тем, что выбор образов, сюжетов, тем и творческих подходов к воплощению идей неисчерпаем, как неисчерпаемо и непознаваемо само «бессознательное». Но сюрреализм ограничен в своей изощренности, экстравагантности, оторванности от материальной действительности, работы художников-сюрреалистов всегда узнаваемы, в творчестве того или иного художника неизбежно формируются штампы. Работы сюрреалистов создаются по негласному закону спонтанной фантазии и вычурной умозрительности, что ведет к неизбежному стилистическому единообразию. В Европе сюрреализм исчерпал себя, некоторые стилевые черты сюрреализма, формы и художественные методы познания и отображения действительности и фантазии перешли в сферу дизайна, декоративно-прикладного искусства и театра. Кажется, сюрреализм погиб в Европе, чтобы воскреснуть на Филиппинах. На сегодняшний день, именно на Филиппинах сюрреализм расцвел с новой силой на пропитанной испанским влиянием культурной почве, там существует целая плеяда талантливых художников-сюрреалистов, чьи работы пользуются широким спросом во всем мире. Луи Кордеро один из самых известных сюрреалистов в современном художественном мире. Он прославился своей работой, в которой из стекла и лакированного дерева смастерил голову циклопа, округлый «мозг» с одним глазом и с треугольным улыбающимся ртом, курящим сигарету – иронический ответ на вопрос о существовании космических существ на других планетах. А может, просто дерзкая карикатура - портрет современных «образованных» офисных технарей, состоящих из «кипящего» мозга, внимательных глаз и сигареты в зубах… Или же просто милое существо, рожденное капризной, безграничной и незнающей преград фантазией свободного и экстравагантного гения современного сюрреализма.
Луи Кордеро. Разбить холод. Смерть от самой целостной влиятельной утопической цели. 2008. Акрил, холст, стекло, дерево. В своей поистине дерзкой работе «Смерть от самой целостной влиятельной утопической цели» из серии «Разбить холод» художник, как всегда, бросает вызов и провокаторски действует на эмоции, религиозно-философские чувства и идеи зрителей, а так же и на общественное мнение в целом. Сюрреализм Луи Кордеро сродни поэзии, в которой «бессознательное» переплетается с поисками ритма, гармонии, воплощения неизъяснимой внутренней стихии, вырывающейся наружу и ищущей понимания. В качестве материалов, использованных художником, акриловые краски на холсте, лакированное дерево, цветное стекло. Глубокий символический и до конца не поддающийся расшифровке смысл, созерцательность и философичность, эмоции и нервы. Все это переплетено в работе Кордеро, когда троящийся лик Христа словно вырастает из какого-то марева безумного сна и предстает перед изумленными глазами распластанной на полу стеклянной статуи, изображающей верующего мученика, умирающего от своей мечты об идеальном рае, где царит гармония цветов и форм, грезящего прекрасными видениями рая. Внутренний драматизм разрешается «катарсисом», очищение страстей происходит через гибель и достижение героем видения рая, когда мысленное и реальное сливается в единое целое. Религиозный, духовный опыт художника сюрреалиста открывает двери в мир необузданной фантазии и показывает «утопическую цель» в виде метафоры рая, где царят идеальный формы сердец, цветов и растений, фантастические яркие краски. Это и есть то, что Анри Бергсон называл «интуитивным прозрением», когда художник воспринимает реальность не логически, а через индивидуальное видение, через бессознательные импульсы и эмоции, воспоминания, душевные тревоги, созерцательное сосредоточение на течении процессов внутреннего мира. Творческий акт для настоящего художника сюрреалиста сродни шаманскому ритуалу, только если шаман общается с «духами» места или умерших, то художник в процессе «творческого» и мистического ритуала создания своего произведения общается с собственным «духом», обращается к внутренней интуиции, к глубинному мистическому опыту. Через тайну внутреннего мира Луи Кордеро обращается во вне, пытается познать и объяснить мир.
Сакарин Круе-Он. Облако Девять. 2004. Текстиль, видео, керамика, световые установки, пластиковые ложки, вилки, муляжи еды.
Сакарин Круе – Он один из наиболее знаменитых в наши дни тайских художников, мастер инсталляций в стиле сюрреализма, директор департамента тайского искусства в университете Банкока. В своих инсталляциях он достигает высокого уровня синтеза искусства в современном понимании, в целостном художественном произведении он использует скульптуры, живопись, фрески, текстиль, видео, музыку, световые установки. Яркая экзотическая инсталляция посвящена урбанистической теме, здесь художник идеализирует брошенных уличных собак Банкока, этих вечных спутников городских тайских будней в столичном городе. Сочетание разных оттенков красного и белого, игра светотени и динамика художественного пространства дают ощущение напряженного драматизма. В «Облаке Девять» трагичность и фарс сочетаются с буддийской философией тщетной суетности устремлений, иллюзорности всего сущего. Стая бродячих собак, скульптуры которых сделаны из идеального белого фарфора, предстает в образе собак-ангелов, с красными крыльями, воплощающих идею о божественной избранности тех, кто в земном мире находится на самой низменной ступени. Композиция названа «Облако Девять», и это тайско-английская игра слов. Если дословно перевести название на тайский язык, оно имеет двойной смысл – «облако девять», а если прочитать по-другому, то «пустая надежда». Так стая бродячих собак попала в рай и там роется в куче остатков от недоеденного на райском пиру. Это мечта несчастных собак.
Конечно, здесь в саркастической форме художник говорит об общественном неравенстве, о «пустой надежде» людей из низших слоев общества достичь высот социального «рая», о мечтах, создаваемых массовой культурой, которые теперь пронизаны «коммерческим смыслом». Сакарин жестко высмеивает «гламурную культуру», создаваемую гениями маркетинга и рекламы. Купи – и станешь, таким же, как они – улыбающиеся, «белые и пушистые» герои реклам. Здесь художник обращается к миру коммерческой рекламы через опосредованную сюрреалистическую метафору. Если бы собаки могли покупать, то для них наверняка мастера маркетинга сочинили бы точно такую же рекламу самых «лучших» объедков «райского» пира. Ведь и на рекламе жвачки можно увидеть счастливые улыбающиеся лица – и какой-нибудь тайский деревенский бедный мальчишка покупает эту жвачку за пару бат, в большей степени не потому, что ему нравится вкус, а потому, что за два гроша он тоже желает стать частью этого «счастливого» модного современного мира. Ах, как счастливы эти собачки, успех и вкусные объедки – вот, что их «окрыляет». Это делает их предметом зависти для «простых», «бескрылых», далеких от «собачьего гламура» уличных псов, которые ещё не «купили» чудесные «объедки»…
Пхунк. Электричество. 2010. Размер 300х830 Студия Пхунк – знаменитое объединение современных художников и дизайнеров в Сингапуре, созданное в 1994 году, творческий состав коллектива – Алвин Тан, Мелвин Чи, Джэксон Тан и Уильям Чан. В работах объединения Пхунк традиционная китайская мифология и философия буддизма и даосизма сочетается с влияниями японских комиксов манга, европейского поп-арта, современного графического дизайна. Участники Пхунк создают не только коммерческие дизайнерские проекты, но активно влияют на художественную жизнь Сингапура, позиционируя себя как создателей нового искусства многонационального общества с его мультикультурной идентичностью. Их проекты охватывают обширные сферы массового и элитарного искусства, дизайна, издательского дела, моды, кинематографа. Коллектив работал совместно со всемирно известными брендами, такими как Naik, Nokia, Tiger Beer. В своей работе «Электричество» художники отражают своё восторженное увлечение урбанистической культурой, воспевают магическую завораживающую красоту современного космополитического мегаполиса, сверх города, такого, как Сингапур, Токио, Шанхай. Электричество предстает в образе сильнейшей стихии нового времени, пронизывающей саму жизнь современного человечества, все аспекты быта и культуры.
Насирун. Баджадж. (Позолото, посеребрение, бронза). 2009 – 2010 г.г. Баджадж – в недавнем прошлом самый распространенный вид транспорта в Индонезии. Подобно тому, как сюжеты из индийских эпосов «Рамаяна» и «Махабхарата» прочно вошли в индонезийскую культуру, став источником вдохновения для художников, музыкантов, для национального кукольного театра ваянг, так и баджадж – результат индийского влияния. Но в наши дни баджадж все реже и реже встречается на улицах Индонезии, уступая место байкам, автомобилям, автобусам. Баджадж представляет собой коляску на трехколесном велосипеде с мотором, одно колесо спереди и два колеса сзади. Баджадж сейчас стал одним из символов городской индонезийской культуры – по телевизору показывают юмористический телесериал о курьезных случаях из будней водителя баджаджа. И, тем не менее, баджадж с каждым годом уходит в прошлое, и оставляет ностальгию по «старым добрым» временам.
Яванский художник Насирун поэтизирует баджадж, покрывает ценным лаком и драгоценными металлами, не как уличный транспорт городской бедноты, а как великолепные колесницы императоров. Ведь императорская колесница является атрибутом только всего лишь культуры «элиты», а баджадж – часть души культуры простого народа, яркий штрих в картине будней людей, своими руками созидающего материальные ценности страны и формирующими духовную культуру. Поэтому баджадж – драгоценность, он важнее изысканных колесниц и бриллиантов, он воплощает само течение жизни по артериям вечности.
Агус Суваге. Я хочу жить ещё тысячу лет. 2005. Все великие деятели политики, культуры и искусства изображены курящими сигареты. Курят все – затягиваются с удовольствием, с кокетством или с глубокомысленным самозабвением знакомые лица, Мэрилин Монро, Курт Кобейн, Сануси Панэ, Амитабх Бачан, Анвар Чайрил, Картини, Мао, Мона Лиза, Стэмфорд Раффлз, Хо Ши Мин, Боб Марли, Ван Гог с отрезанным ухом…
Как известно всем, курение сокращает жизнь. Но в данном случае, «жить» выдающиеся люди будут очень долго, потому что они вошли в историю, и даже курение в этом плане их жизнь не сократило. Агус Суваге учился на факультете изящных искусств и дизайна в знаменитом Технологическом Институте в Бандунге, где получил образование первый президент Индонезии Сукарно. Агус впитал в свою творчество влияния разных культур Запада и Востока, он продолжил свое образование в Австралии, сотрудничал с музеями Японии, Бангладеш, Южной Кореи, Малайзии. В наши дни Агус является одним из самых знаменитых современных художников острова Ява. «Я хочу жить ещё тысячу лет» пронизана дихотомией жизни и смерти, жизни в физическом теле и жизни в истории. Курение трактовано как некий мистический ритуал, роднящий между собой всех курильщиков мира, знаменитостей и обывателей. Дым сигарет иллюзорен, он испаряется и остается только пепел, такой же недолговечный тленный, как человеческая жизнь…Что роднит всех этих знаменитых людей, изображенных курящими сигарету, - процесс затягивания ароматным дымком, вредным, очень вредным для здоровья, и смерть, которая неизбежна для каждого. Художник размышляет о смертности и бренности, о вечности жизни в истории, о непрочности физического тела и о силе искусства, идей, значимых для истории поступков и духовного начала мира. Тело, как сигарета, рано или поздно истлеет, превратиться в прах, но образ вечен, он будет жить ещё, по крайней мере, тысячу лет.
Агнес Ареллано. Халия, принимающая ванную. Мрамор. 1983. Священное и мирское, мистическое и рациональное, физическое и духовное, музыкальное и осязательное, мрачное и оптимистичное – все эти базовые начала гармонично сочетаются и не противоречат друг другу в творчестве филиппинской художницы-скульптора Агнес Ареллано. В наши дни, именно она, пожалуй, автор наиболее драматичных, емких по своей эстетико-философской выразительности скульптурных произведений в Юго-Восточной Азии. Веяния сюрреализма и экспрессионизма, яркий индивидуализм и эмоциональность, выраженную экстравагантность образов она может мастерски сочетать с античной строгостью пропорций и композиционно-пространственных решений, с богатством фантазии и неисчерпаемостью источников вдохновения, коренящихся в истории мировой культуры. Агнес присуща чуткость восприятия форм действительности, чувственность в трактовке форм человеческого тела, пристальное внимание к деталям при широте обобщений, виртуозность технического исполнения. Каждая работа Агнес Ареллано является своеобразным автографом в пространстве современного художественного мира Азии. Она создавала скульптурную композицию «Халия, принимающая ванную», когда надеялась забеременеть. Агнес изобразила беременную женщину, богиню Халию, лежащую в ванной и трогающую рукой беременный живот, нащупывая зреющую в ней новую жизнь. Агнес обращается к древнему мифу филиппинского народа биколь о богине по имени Халия, которая могла иногда спускаться на землю, чтобы принять ванную в горячих источниках в горах. Халия почиталась как богиня-покровительница женщин, плодородия и богиня лунного света. Однажды, деревенский мужчина увидел богиню, принимающую ванную, и спрятал её одежду, чтобы красавица не смогла вернуться на луну и осталась на земле. Земной мужчина соблазнил богиню Халию и добился её любви. Она забеременела и родила полубогов – предков народа. Агнес интерпретирует древний миф в своем скульптурном произведении в свете духовно близкой для нее философии буддизма и эстетики античности. Концентрические круги, возникающие на поверхности воды вокруг тела богини, напоминают такие же точно круги, каждый день старательно создаваемые дзенскими монахами и послушниками с помощью грабель вокруг древних камней в знаменитом японском саду камней при храме Рёандзи, произведшем огромное впечатление на художницу во время её поездки в Японию. Эти круги символизируют недолговечность и переменчивость бытия. Созерцание этих кругов – медитация Дзен-буддистов, размышление об иллюзорности и тщетности всего сущего в круговороте Сансары. Жизни людей, как камешки, бросаемые в море бытия, оставляющие всплеск, круги и тонущие в вечности. Таинство зачатия и созревания новой жизни священно, но и эта новая жизнь будет подобна кругам на воде. «Халия, принимающая ванную» - отображение интереса художницы к поэтике древних мифов, а так же склонности к философско-религиозным размышлениям о зарождении новой жизни и о непрочности человеческого бытия. По-сути, это произведение-медитация, дающая острое пронизывающее чувство единство двух начал, Инь и Ян. Женское начало, порождающее жизнь, и непрочность этой жизни, стихия Сансары, «круги на воде». Создание и разрушение едины – в каждом акте сотворения заложены позывы к будущему неизбежному разрушению, и каждое разрушение предшествует созиданию и служит поводом для творения. Если созерцание двойственной природы бытия являет собой философскую суть, то чувственность, тактильность и эротический лиризм – основа эстетики этой работы. Художница воспевает красоту тела беременной женщины, обращаясь к древней мифологии Филиппин, к дохристианской духовности народа, в языческом трепете и восхищении передает обнаженную натуру, подражая мастерам античности.
Альберт Йонатан. Космический лабиринт. 2011. Керамика.
Альберт Йонатан (1983 года рождения) окончил Технологический Институт Бандунга, это выдающееся учебное заведение с прочными традициями и обширными международными связями, основанное ещё во времена, когда на Яве господствовали голландцы, а в архитектуре процветали фантастически новаторские для того времени идеи Ле Корбюзье и Людвига Мис ван дер Роэ. «Космический лабиринт» Альберта Йонатана воплощает древнюю идею о структуре Вселенной. Источником вдохновения, безусловно, послужил Боробудур – крупнейший в истории буддийский храм-мандала, представляющий собой по форме гигантскую ступу, построенный на Яве в IX веке (рядом с Джокьякартой). Модель мира представлена в виде лабиринта, состоящего из множества одинаковых керамических скульптур в форме буддийских ступ (культовых буддийский сооружений, внутри которых помещали почитаемые реликвии или же останки святых). Во многих мифах мотив странствования по лабиринту ассоциируется с поиском себя. Лабиринт как воплощение бесконечности, развития по спирали. Ступа – символ духовного поиска, лабиринт – поиска собственного пути. «Космический лабиринт» является выражением процесса самопознания через медитацию и творчество. Повторяемость одинаковых форм придает произведению декоративность (всегда в изобразительном искусстве повторение орнаментальных форм усиливает декоративные свойства), и, в свою очередь, обозначает ритуал, ведь повторение – основа всех ритуалов, повторение мантры, например, или повторение одинаковых действий в ходе поклонения духам, ритуального обхода буддийских ступ.
Эко Нугрохо. Иллюзия. Хрустящий кризис. 2007. Вышивка, 148х290. Эко Нугрохо (1977 года рождения) – ещё один гений из Бандунга. Пронизан творчеством, свободой, бунтарством и новаторством сам дух города Бандунга, в котором в 1955 году проходила знаменитая конференция стран Азии и Африки, сформировавшая новую концепцию независимости азиатских и африканских стран и равенства наций на постколониальном обширном пространстве. Нугрохо создает произведения в разных стилях и художественных техниках, ему близка и живопись, и фрески, и мультипликация, и видео, и даже монументальная вышивка. Дерзкая фантазия Эко Нугрохо передает картину страхов «массового подсознания» в эпоху, когда СМИ активно твердят о кризисе, терроризме, генетически мутированных продуктах и т.д. Ужасные мифы, создающиеся в сознании людей, переходят в реальность, составляют устрашающую картину современности. Народ не пытается разобраться в сути, проникнуть в причинно-следственные связи явлений, он знает лишь образы, такие, как «кризис», «террорист», «эпидемии» и другие, передаваемые из уст в уста по всему миру как всемирная сплетня в «глобальной деревне» (термин М. Маклюэна). В результате формируется массовое сознание, черно-белое и ограниченное в своих образах и дефинициях, сознание, генерирующее отупляющий страх и отчужденность, пассивность и неприязнь к миру вовне. Вот такую мрачную картину мышления масс передает художник в ярких сине-голубых тонах. Яркость локальных красок – намек на «глянцевость» массовой культуры, на броские манкие цвета реклам и новостных анонсов, ведь даже после самых ужасных новостей по телевидению обязательно последует реклама с улыбающимися гламурными личиками. После обсуждения глобального кризиса – рекламная пауза, реклама самых хрустящих чипсов, утоляющих аппетит. Слушаем про кризис и жуем жвачку, впадаем в апатию, слушаем про кризис, можно и про терроризм и/или коррупцию и преступность, хрустим чипсы. Идеальная жизнь современного обывателя. Так почему бы кризис не назвать «хрустящим». Он начался, он будет длиться в нашей «умной» «телевизионной реальности», пока хрустят чипсы и ароматные «хрустящие корочки» куриных ножек. И обыватель уже привык к этому миру, создаваемому СМИ, делающему народ апатичным, податливым, запуганным, безынициативным. И правда, кто может остановить кризис, схватить за руку коррупционера или выбить из рук террориста автомат…остается уставиться в голубой экран и хрустеть «самые хрустящие» чипсы.
 Эко Нугрохо. Это всё о коалиции. 2008. Бронза, 190х60х60
В своей скульптуре «Это все о коалиции» художник высмеивает лживость политических лидеров и представителей крупного бизнеса, разоблачает двуличность общественных взаимоотношений. Мотив рукопожатия трактуется как самый типичный лицемерный жест, когда заключается взаимовыгодное соглашение или сделка, но каждый партнер думает о том, как бы обмануть другого. В мире политики и бизнеса царит эгоизм, ложь и животные хищнические инстинкты. Нугрохо бесцеремонно и натуралистично показывает истинное лицо современности. Вот так и выглядят все коалиции в их подлинном виде – пока говорятся красивые слова о взаимовыручке и общественном благе, пока делаются благолепные жесты, руки «союзников» превращаются в головы ненасытных волков, в бензопилы или гигантские клещи, нацеленные на то, чтобы оттяпать себе кусочек побольше от «общественного» блага. Эко Нугрохо на протяжении всего творчества пытается бороться против обывательской апатии, узости мышления, высмеивая создаваемые обществом стереотипы и штампы массового сознания. Художник из беднейшей семьи, который сделал себя сам, скопил средства для обучения в художественной школе, продавая сделанные из клейкого риса расписные сувениры на улицах города. Эко Нугрохо принадлежит к тем мастерам, что могут виртуозно воспеть поэтику будней, с искрометным юмором высмеять пороки современников, не испытывая страха ни перед общественным мнением, ни перед властями.
Ли Вэн. Фотографии с акций перформанса из цикла «Желтый человек». Часть экспозиции посвящена работам скандального всемирно известного сингапурского художника по имени Ли Вэн. Это художник многогранного таланта, один из наиболее знаменитых современных художников Сингапура. Его самая ранняя работа, «Просыпающаяся мечта» (1981), - книга с текстами и рисунками в стиле комиксов манга. Художник склонен создавать фантастические мечты, многозначные метафоры и мифы для воплощения повествования и отображения понимания жизни и реальности. Прославился Ли Вэн благодаря своему оригинальному проекту «Желтый Человек», который включает в себя живопись, инсталляции, скульптуры, перформанс.
Ли Вэн. Желтый человек. Фото с перформанса. 2007. Мастера перформанса пытаются ломать общественные стереотипы путем совершения казалось бы неадекватных действий, вызывающих взрыв негодования или восхищения, и незменно приковывая к себе внимание. Так, например, многие критики современного искусства вообще не считают перформанс видом изобразительного искусства, а мастеров перформанса не называют художниками, а именуют «провокаторами», «шутами» и т.д., потому, что перформанс не использует основные материалы и изобразительные средства художественного творчества. Вот, Ли Вэн, сделав ведро желтой акварели и вылив это ведро на свою голову, дал дерзкий ответ таким критикам, ок, «я художник, считайте меня акварелистом»…
 Ли Вэн. Желтый Человек, куда ты идешь? 1990. Холст, акрил, 121х70.
Картина «Желтый Человек, ты куда идешь?», созданная Ли Вэном в 1990 году, стала предшественницей серий фотографий и перформансов, посвященных яркому образу Желтого Человека, воплощающему дзэн-буддийскую идею о спонтанном достижении Просветления, о свободном, не знающем рамок, преград и правил, самовыражении как форме буддийской практики и пути самопознания. Ли Вэн создал эту картину после окончания Политехнического института в Лондоне. В экспозиции музея представлены ключевые работы Ли Вэн, принесшие ему мировую славу, это и инсталляции, и фотографии, и видео, и живопись. Ли через искусство говорит о том, как он понимает жизнь, о своем личностном развитии, о духовном и профессиональном росте. Ему близка мифологическая картина мира и углубленное самопознание, воспоминания, сильные эмоции, переживания, которые влияют не только на эстетическое восприятие действительности и произведений искусства, но на духовное зрение. Сингапурский музей современного изобразительного искусства дает обширное представление о состоянии художественной жизни не только в самом Сингапуре, но и на пространстве всего региона Юго-Восточной Азии в глобальном контексте. Путем скрупулезного отбора произведений и глубокого анализа их изобразительной и содержательной сторон, музей сформировал одну из самых важных коллекции современного искусства в регионе. Деятельность музея направлена и на сохранение и изучение художественного наследия наших дней, и на внедрение новых художественных практик и стилей, на популяризацию новаторского искусства. Музей сотрудничает с другими ведущими музеями мира, такими как Центр Помпиду, Музей Гуггенхайма, Шанхайский художественный музей, Художественный музей при Сеульском национальном университете и др.
Лукашевская Яна Наумовна, историк искусства, независимый арт критик. Фотографии выполнены автором статьи с любезного позволения администрации музея.
От: Лукашевская Яна Наумовна, © wm-painting.ru, -
-
Скрыть комментарии (0)
Похожие темы:
|
