Опубликовано: Октябрь 1, 2013
Национальная Галерея Изобразительного Искусства Малайзии (Balai Seni Visual Negara, 2, Jalan Temerloh, off Jalan Tun Razak, 53200, Kuala-Lumpur, Malaysia).
Национальная Галерея Изобразительного Искусства Малайзии является не только уникальным музеем, представляющим панораму истории формирования и развития современного изобразительного искусства Малайзии, но также и обширной выставочной площадкой, пространством для перформансов, театральных представлений, концертов и конференций. Здание Национальной Галереи является частью большого архитектурного комплекса, состоящего ещё из зданий Национального Театра и Государственной Публичной Библиотеки.
Галерея была основана по инициативе первого премьер-министра Малайзии Тунку Абдул Рахмана сразу же через год после провозглашения независимости Малайзии, 28 августа 1958 года. Директором Галереи был назначен секретарь Тунку Фрэнк Салливан. В наши дни Галерея регулярно проводит множество художественных конкурсов с целью отбора для постоянно пополняющихся коллекций самых лучших произведений наиболее талантливых мастеров, умеющих отразить в своем творчестве, как собственную индивидуальность, так и эстетические вкусы современности.
На фасаде изображена молодая типично малайская девушка с цветком гибискуса за ухом – символ современной Малайзии, динамично развивающейся, стремящейся к прогрессу, к современному образу жизни и мышления, и, в то же время, чтящей свою историю, традиции и гордую своими историческими корнями и национальным колоритом. Ведь цветок гибискуса – древнейший символ Малайзии, его малайцы с уважением называют «бунга райя», что значит «великий цветок». Фасад музея украшен работами в стиле граффити – роскошь ультрасовременной стеклянной конструкции, напоминающей типичную архитектуру городских офисных зданий и крупных шопинг центров, сочетается с «хулиганским» искусством, шедевры которого можно встретить в подворотнях спальных кварталов любого мегаполиса. Этот контраст подготавливает зрителя, входящего в Галерею, к восприятию многогранного и противоречивого современного искусства, не знающего границ между элитарным и популярным, между классическим и модернистским началами новой культуры. Современную культуру можно сравнить с огромным котлом, «варящим кашу» постмодерна с её множеством «специй» и «ингредиентов» разных этнических традиций, художественных школ и направлений, эстетических концепций и политических взглядов. Художники могут черпать вдохновение в различных религиозных учениях или же просто в повседневным рекламных роликах, в великих шедеврах прошлого или в обрывках уличных объявлений… Не важно, что служит катализатором их творчества, главное, что художники современности – это люди с открытым сознанием, способным осмыслять, творчески перерабатывать и представлять публике в оригинальных формах различные явления окружающего мира. Художник не равнодушен к истории, художник не равнодушен к политике, художник не равнодушен к природе, художник увлечен повседневными мелочами – и все это одновременно! Только тогда – это художник актуальный, интересный для современной публики, которая состоит не только из «глотателей пустот – читателей газет». Посетители художественных галерей современного искусства, как правило, это люди, интересующиеся не столько самими событиями современности, а в большей степени их осмыслением. Собственно, посещение галерей современного искусства – это интеллектуальная форма досуга и своего рода взаимный творческий процесс, диалог «от сердца – к сердцу», «от ума – к уму» между художником и зрителем. Этот диалог может иметь форму спора, ведь провокационные произведения искусства на темы политики, например, часто вызывают негодование со стороны зрителя, особенно когда дело касается разрушением художником «милых» и привычных стереотипов.
Вид на центральную винтовую лестницу с высоты пятого этажа.
Зритель может даже считать современное искусство «низким», «пошлым» или вообще «бездарным». Но негативное мнение – это тоже мнение. А значит, художник достиг своей цели – он заставил своего незримого «собеседника»-зрителя думать, чувствовать, переживать. В этом суть искусства, в этом его великое таинство, затрагивающее глубинные струны человеческой духовной сущности, колдовство, известное со времен, когда, в темной пещере первые предки людей взяли в руки обточенные камни и нарисовали что-то невнятное на мерцающей в искрах первобытного костра стене.
Мохд Аль Кхузаирие Али. Серия работ «Человек и Технологии Остановят Насилие». Свобода Палестине! Конец оккупации! 2008. Керамика, металл, пластик. 30х25. Источником вдохновения Мохд Аль Кхузаирие Али служат такие голливудские фильмы, как «Терминатор», «Матрица», «Звездные войны», «Трансформеры». Художника интересует влияние бурно развивающихся технологий на жизнь, быт, мышление и поведение людей. Технологии играют все большую роль в повседневной жизни людей, благодаря технологиям возрастает комфорт быта, у людей появляется больше свободного времени и возможностей передвижения. Вместе с тем, с появлением новых технологий человеческое общество все больше становится оторванным от природы, утрачивает долю естественности. Технологии так же служат войнам. Это уже не копья, лук и стрелы – оружие нашего времени способно за считанные минуты унести жизни огромного количества людей, и вообще, в случае глобальной войны не будет победителей, потому, что все живое просто будет уничтожено. Если какая-либо сверхдержава, какой-либо этнос в наши дни заявит о своем превосходстве и будет претендовать на «мировое господство», это закончится гибелью всех и всего. Об этом и предупреждает художник в серии своих работ «Человек и Технологии Остановят Насилие», цель художника осмыслить технический прогресс в контексте мирного развития человечества. Керамическая голова с загадочной полуулыбкой – выражение надежды художника на прекращение оккупации Палестины. Если бы можно было надеть на голову «мировой общественности» такой приборчик, который бы мог передавать мысли о мире и о взаимоуважении между людьми и целыми народами, то это выглядело бы точно так же, как то изобразил художник в своей работе «Свобода Палестине». Человечество смогло изобрести мощнейшее оружие, достигло небывалых высот в развитии военной техники всевозможных видов... А можно ли изобрести такое технологически усовершенствованное приспособление, которое было бы способно остановить войны и вселять в умы людей стремление к миру? Художник размышляет о том, сможет ли техника как таковая победить человека, как это происходит в «Терминаторе». Или же разум и душа человека сложнее и тоньше, а потому человек не будет побежден техникой до тех пор, пока не станет ей подобен, то есть до тех пор, пока человек не утратит собственной человеческой натуры и не превратиться в безвольного и бесчувственного робота.
 Грэг Эрвин. Хиппи. 1968 г. Керамика. 35х23х12,5. В коллекции Галереи есть работы художника Грэга Эрвина, создававшего объемные настенные керамические панно и концептуальные керамические скульптуры. Изображая обнаженных обнимающихся «хиппи», художник противопоставляет свободную любовь войне. Грэг создает своего рода образ – визитную карточку 1960х г. г., эпохи борьбы за мир, за новый образ жизни, за свободу, как целых народов, так и отдельной личности.
 Мэт Доллах. Фреска. 2006.
Мэт Доллах – мастер и пропагандист традиционного искусства батик. Он создает в стиле «батик» не только, собственно, ткани, но также и фрески, и живопись маслом. Художник понимает «батик» не только как конкретную технику росписи ткани, сформировавшуюся много веков назад на просторах Малайского полуострова и всего Индонезийского архипелага, но и как стиль, способ трактовки цветовой гармонии, метод изображения орнаментов и форм живой природы. Техника росписи батик дает большие возможности для раскрытия красоты локальных цветов и ярких контуров. Батик делает поверхность полностью покрытой изображениями, состоящей из отдельных плоскостей, очерченных контуром, отделяющим один цвет от другого. Картины в стиле «батик» художник делает во всех возможных техниках – это и монументальные фрески, и дешевые картины акриловыми красками, и темпера, и монументальные картины маслом, и живопись по шелку. Батик для художника это не простое ремесло, не только способ прокраски ткани. Ведь искусством батик вдохновлялся и великий Гоген, создавая свои знаменитейшие произведения. Пожалуй, он первым перенес изобразительные качества и особенности построения живописных плоскостей батика в область искусства масляной живописи. Мэт Доллах позиционирует батик как особую аутентичную многогранную форму высокого изящного искусства, самоценную и способную служить способом отображения различных идей, образов, эстетических концепций. Кроме того, «батик» - символ малайской идентичности, глубинных корней национального самосознания. Нити батика связывают в единый клубок легенды, историю и современность. Помещая свою монументальную фреску на лестничную стену в Национальной Галерее, художник дает возможность зрителю, переходящему из этажа на этаж, погрузиться в мысли о легендах, истории и природе Малайзии. Словно мираж, предстает перед зрителем, рассеянно блуждающим по дебрям современного искусства, образ из какого-то древнего мифа, где прекрасные принцессы неторопливо катались по джунглям, наслаждаясь первозданной природой и пением чудесных птиц, созерцанием придворной охоты, воздухом, которым дышат невиданные деревья и цветы Малайзии…
 М. Д. Саллех Давам. Городской базар. Февраль, 2008. Фреска на стене. Поднимаясь по лестнице выше, зритель спускается из заоблачных высот древних мифов к повседневной реальности и оказывается в шуме и суете городского базара, реалистично изображенного художником по имени М. Д. Саллех Давам. На базаре каждый занят своим делом, дети выпрашивают родителей купить сладости, продавцы бойко зазывают покупателей, случайно встретившиеся соседки обсуждают последние новости… В самом центре композиции, прямо на оси симметрии, - велорикша, смотрящий на зрителя и предлагающий свои услуги. Рикша изображен так, что с какой бы стороны мы ни подошли бы к нему, он смотрит на нас. Художник использует оптический прием, хорошо известный ещё в классической европейской живописи со времен популярности стиля барокко в XVIII веке, а русскому зрителю этот оптический эффект знаком на примере картины В. Д. Поленова «Христос и грешница», где извозчик на ослике движется всегда в сторону зрителя. Ощущение подвижности изображения достигается путем создания ряда перспективных сокращений форм и отдельных плоскостей, составляющих целостное изображение, и активного использование бликов света, словно бы идущего из нескольких источников с противоположных сторон. Такой прием в живописи разрушает стереотипы видения изображения, и объект, который на самом деле является статичным, представляется взгляду зрителя в движении. Это делает живопись реалистичной, вовлекающей самого зрителя внутрь художественного пространства, расширяя границы его воображения и эмоционального восприятия произведения. Реальность, созданная художником, становится ещё более осязаемой благодаря присутствию рядом с произведением настоящей велосипедной коляски, этого бессменного символа улиц Юго-Восточной Азии.
 Ахмад Сопанди. Богиня Сангхъонг Ашри Деви Похарчи. 1997. Резьба по коже буйвола. 198х222 см.. Ахмад Сопанди обращается в своем произведении к древнему миру Малайского полуострова и Индонезийского архипелага, когда на обширных просторах господствовали могущественные талассократии («морские державы»). Мирные крестьяне заботливо ухаживали за своими полями, сопровождая тяжелый ежедневный труд красочными ритуалами и веселыми праздниками, устраиваемыми в честь богов природы, поклоняясь силам природы, дарующей жизнь и пищу. Самой почитаемой богиней была богиня урожая риса и звали её Сангхъонг (великая) Ашри (прекрасная) Деви (богиня) Похарчи. Чтобы богиня была довольна и знала, что каждый миг своей жизни крестьяне посвящают именно ей, жители деревень и их дети мастерили незамысловатые изображения богини, соединяя вместе колоски риса, связывая пучок рисовых колосьев сверху так, что образовавшийся небольшой треугольник обозначал голову, а нижняя часть тоже в форме треугольника образовывала туловище. Сейчас во многих деревнях туристам продают такие связанные пучки рисовых колосьев, дополненные приклеенными пластиковыми «глазками». Ахмад Сопанди изображает прекрасную Деви Похарчи. Богиня словно бы возникает из пространства снов, мифов, легенд и круговерти деревенского веселого хоровода с характерной для нее треугольной головой. Зритель вновь видит малайский мир сквозь века – современные небоскребы из Куала-Лумпур кажутся миражом. А мифические богини урожая на кожаных картинах Сопанди, словно бы звучащих древней незамысловатой мелодией бамбуковой флейты, реальны. Да, это та духовная реальность, что живет в глубинах души каждого современного малайца.
Идарина – яркий пример социально активной, творческой и деловой женщины в современном исламском мире. Она незаурядный художник, лектор, художественный критик и менеджер Национальной Галереи. В своем творчестве она воспевает мир малайской женщины, образы простых деревенских малаек, занятых повседневными делами и прекрасными в каждое мгновение своей жизни. Будучи занятыми изготовлением рисовых лепешек или плетением корзин, малайская женщина спокойна и грациозна, она делает даже самую тяжелую и утомительную работу с легкой улыбкой на устах и радостью в сердце, её руки сильны и проворны, она - воплощение любви и заботы, доброты, она хранительница очага, благодаря ей продолжается жизнь и поддерживается существование Вселенной… Самые любимые цвета колорита – зеленый, цвет жизни, растений, священный цвет в Исламе, голубой, цвет небес, коричневый, цвет обожженной глины, соломы, земли, и конечно, желтый, цвет солнца. Эти цвета наделены символическим звучанием в контексте изображения женщины, это символы женственности, женщины, дарующей жизнь, и, подобной золотым лучам солнца, согревающей землю своим вечным теплом. Благодаря продуманной цветовой композиции, разные плоскости локальных цветов становятся закономерными частями единого декоративного и вместе с тем реалистичного художественного пространства, отображающего красоту природы Малайзии, изящную меланхоличную простоту малайской женщины.
В картине «Борьба» художником изображена сцена из повседневной жизни приморской малайской деревушки. Пожилые женщины бойко спорят о чем-то, между ними кипит настоящая борьба, а молодая красивая малайка, стоящая рядом, следит за спором с открытой широкой улыбкой, со смехом и надменным чувством своего превосходства, свойственным молодости, подзадоривает спорящих женщин. На втором плане – женщина с двумя детьми неспешно прогуливается по побережью.
Художником выполнена здесь тонкая разработка тонального колорита, им использован прием рассеянного освещения, когда свет создает политональную среду, словно бы окутывающую все изображенное. Художником воспета красота раскаленных под лучами горячего солнца малайских небес, пляжного песка, искрящихся вод моря. Золотистые и голубоватые тона фона вступают в оптическое взаимодействие с яркими цветами одежд, что создает хроматические контрасты, влияющие на целостное восприятие колорита. Игра бликов света на лазурно золотистых волнах приобретает холодно-голубоватый тон морской воде, этого источника блаженной прохлады в полуденный тропический зной. Последовательно возникающие контрасты цветов, чередование теплых и холодных оттенков, вызывают у зрителя ощущение пространственной глубины. Розоватые и золотистые оттенки, словно бы переливающиеся блики на перламутровой раковине, при взаимодействии с терракотовыми оттенками в цветовом решении тканий саронга и мокрого песка, создают у зрителя ощущение вибрации сухого и горячего воздуха в пейзажном пространстве.
Вонг Пэй Иеу. Быть или не быть. скульптура Стоящее яйцо. Сентябрь, 2000. Нержавеющая сталь, резина. Покинув здание Национальной Галереи, зритель спешит к пешеходному переходу, ведущему к ряду уличных кафе, где можно перекусить знаменитыми малайскими «сатэ», маленькими шашлычками с арахисовым соусом. Но мир современного искусства и здесь словно бы «преследует» зрителя, задавая на прощанье один из вечных вопросов «Быть или не быть». Вопрос «повис в воздухе», в буквальном смысле... Резиновое яйцо балансирует на острой грани стального постамента. Яйцо – символ рождения новой жизни. В этом произведении художник Вонг Пэй Иеу, задает вопрос о том, «быть или не быть» новому искусству, новому образу мыслей, человечеству вообще. И, выходя из Национальной Галереи, познакомившись со множеством разных и противоречивых произведений современных мастеров, погрузившись в мир искусства, каждый вновь оказывается в окружении извечных вопросов, и от наших ответов на них зависит будущее Вселенной… Лукашевская Яна Наумовна, историк искусства, независимый арт критик.
Фотографии сделаны автором с любезного разрешения администрации музея.
От: Лукашевская Я.Н., -
-
Скрыть комментарии (0)
Похожие темы:
|
